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美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇一
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第一章兩宋繪畫的發展??????????????????????????..(2)。
第二章兩宋繪畫取得的成就????????????????????????..(3)。
第三章兩宋繪畫對現代教育的影響?????????????????????..(5)。
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淺談兩宋繪畫作品的現實意義。
引言。
隨著讀圖時代的來臨，越來越多人往往都會借助視頻、動畫、圖形、圖畫等形象媒體來傳文達意，激起觀者想象和思想的情感漣漪。而繪畫作為一種最為直接的表達方式，在我們的視覺文化教育中起著不可替代的作用。
宋代繪畫是在中國文化藝術史上具有重要的地位和深遠的影響，是一個繼往開來，集中國古代繪畫之大成的光輝時期。宋代繪畫的發展，成就以及對現代教育的影響都是值得我們去深思熟慮的。
正文。
第一章兩宋繪畫的發展。
宋朝時，繪畫藝術達到了全面發展，繪畫作品更是極其豐富，繪畫技法完善,畫家風格更是面貌繁多。同時，隨著繪畫的發展，又有一些文人加入畫家的行列，開創了中國繪畫的文學化時期。兩宋繪畫作品中,成就最高是山水畫,次之是花鳥畫，后是人物畫，特別是山水畫創作可以說達到了繪畫頂峰。
1.山水畫。
北宋的山水畫，作品以傳統水墨為基礎,多表現北方渾雄壯闊的自然山水，借山川表現內心世界，強調寫意畫法:“信筆為之,以煙云掩映,樹木不取工細,意似便已。”【1】對山水畫的創造,更在于對真山真水的深切感受。南宋的山水畫，在格局上脫胎于青綠，而參用水墨，調和兩派，筆法蒼勁，水墨淋漓，具有獨特的風格。
宋代山水畫的人文精神，不僅表現在畫面中蘊涵著氣與質的美，還表現人與山水意理的滲透，山水需有生命，山水畫中“天真、寫真”等創作思想，都蘊涵著美的本質和藝術生命的內涵。在山水畫中，就是要從自然的變化、社會的變化、萬物之情中探尋新的藝術形式。發現日新之時勢，在具體生命性中，發現道德之美和生命價值。
2.花鳥畫。
宋代是中國花鳥畫的成熟和鼎盛時期，在應物象形、意境營造、筆墨技巧等方面都臻于完美。北宋的花鳥畫主要繼承五代傳統，畫法多宗徐熙、黃筌二體，而黃體“鉤勒填彩，旨趣濃艷”【3】的富貴風格更為世所尚。更是由于宋徽宗趙佶對繪畫的特殊愛好，在其大力倡導下，花鳥畫以院體為主流進一步向工筆寫實發展，筆法工整細膩，使工筆花鳥畫達到顛峰水平。并且此風綿延至南宋宮廷，花鳥畫創作長盛不衰，并呈現多樣化的局面。
宋徽宗《芙蓉錦雞圖軸》。
3.人物畫。
在宋朝，人物畫主要包括兩部分，其一是人物故事畫，這些畫多是出于某種政治宣傳的需要。其二，是風俗畫，這是一種反映城鄉生活和社會風俗的人物畫，是隨著宋代城市經濟的發展和市民文藝創作的繁興而興起的，反映的社會面之廣，人物階層之豐富，都是前所未有的，其意義已經超出了美術的范圍。
宋代人物畫的特點是注重表現人物的現實性格和具體神態，或者說是形神兼備。人物畫是以人物活動為主要描寫對象的中國畫傳統畫科.宋代繪畫是中國繪畫藝術發展的高峰.宋代的人物畫題材多樣,如佛教畫、肖像畫、工筆重著色人物畫、經史題材畫、風俗畫、減筆人物畫等等.它所反映的現實生活內容之廣泛,在古代繪畫史上是極為突出的.它運用多彩優美的藝術形式,創造了很多的藝術表現手法.宋代人物畫的成熟和完備,進一步說明了宋代繪畫是中國古代繪畫的鼎盛時期.1、在繪畫技法上，有新的突破，出現了各種畫風。
燕文貴的《七夕夜市圖》。
第二章兩宋繪畫取得的成就。
北宋初期，人物畫師法吳道子，花鳥畫遵循黃筌體制，山水畫主宗荊、關傳統。北宋中期，畫風呈現出較顯著變化，人物畫創“白描法”，大大豐富了線條的表現力，山水畫更真實細膩地表現大自然的微妙變化，花鳥畫發展了水墨法，文人畫也在此時倡興。北宋末至南宋初，人物畫中的風俗3題材成就突出。南宋時期，山水畫變革顯著，“南宋四大家”創立了新的“院體”山水畫風，花鳥畫發展了水墨寫意法，并形成了諸多文人水墨花卉畫派，人物畫中也出現了水墨寫意的“減筆畫”[2]。
山水畫在北宋強調“師法造化”，注重圖真和格法，描繪地域風貌、氣候變化具體精微，同時也發揚“中得心源”的傳統，對景造意，融入真切感情。南宋山水重視意境創造和感情抒寫，畫法簡練、潑辣。花鳥畫在北宋是以工整精細的畫法為主，注重寫生，狀物真實。南宋興起文人水墨花鳥畫，強調傳情達意，抒寫主觀情感，喜繪梅蘭竹菊四君子題材，人物畫北宋時盛行故事畫和風俗畫，畫法繼承了唐代傳統，工整寫實，又有一定新創。南宋人物畫多取歷史題材，借古喻今，在安排情節、突出主題、刻劃內心等方面，更富意匠。
2、宋代的文學藝術開始強調主體和客體的相互融合。
3、人物風俗畫直接反映宋代城鄉生活和社會風俗。
人物畫所反映的社會面之廣，人物階層之豐富，都是前所未有的，其價值意義不僅在藝術上的畫法、創作技巧和表現手法的獨創性，也是研究宋代文明和社會背景的重要依據。在人物風俗畫里，最為杰出的是張擇端的《清明上河圖》。
其藝術成就主要體現出市俗畫在畫風態度上崇尚自然古樸，非常大眾化，在藝術技巧的運用上，講究尊重傳統，不標新立異，只求真實的表現生活。當西方還沉浸在最黑暗的宗教愚昧的統治中時，宋代繪畫已開始描寫現實。在中國繪畫史具有深遠的意義。
張擇瑞【4】《清明上河圖》。
第三章兩宋繪畫對現代教育的影響。
1、激發愛國主義情感。當欣賞宋代繪畫時，我們都會為中國文化的博大精深感到自豪，宋朝大部分時間都處于動蕩不安之中，一些文人借助繪畫，通過對大好河山，一草一木的描繪中，抒發自己的愛國情感，表達自己的愛國之情，所以畫面背后所深藏的愛國主義情感，能激起無數炎黃子孫的共鳴，是我們進行愛國教育的優秀題材。如范寬的《雪景寒林圖》，所表現的是北方雪景山水，在這幅作品中,范寬創造了一個純化境界，畫中群峰積雪，千里冰封，近景枯木交錯，寒水深湛，中景岸渚汀州。遠景白雪茫茫，天深山亮，人們感受到一種懾人心魄的魅力。
范寬的《雪景寒林圖》。
2、宋朝繪畫的一些畫風、布局，對我們進行網頁制作、平面設計、影視動畫制作等方面，具有一定的審美導向作用。同時，也是我們進行靈感思維訓練的有力工具。靈感思維是視覺藝術思維中經常使用的一種思維形式。在創作活動，中，人們潛藏于心靈深處的想法經過反復思考而突然閃現出來，或因某種偶然因素激發突然有所領悟，達到認識上的飛躍，各種新概念、新形象、新思路、新發現突然而至，這就是靈感。但是靈感的出現是不是偶然性的。宋朝繪畫，以其風格多樣、作品眾多，是進行靈感思維訓練的有力工具。
結語。
宋朝繪畫藝術達到了全面發展，繪畫作品極其豐富，繪畫技法完善,畫家風格面貌繁多，不僅促進了中國繪畫藝術的發展，具有很高的藝術價值，而且對現代教育也產生了深遠的影響。
對兩宋繪畫的發展和所取得的成就的概述不僅僅只是如此，由于所持資料不充足，僅提供了以上所描述的內容，它還可以繼續從歷史背景以及人的思想方面進行深入探討。
參考文獻。
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陜西人民美術出版社。
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美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇二
計算機網絡只是獲取資源的一種渠道，要真正使用它，還要有一定的技術設備。過去電腦價格比較昂貴，只有少數單位和個人能夠擁有，而隨著電腦技術的日益成熟以及商家之間的價格競爭，電腦的價格已經下降了不少。如今走進學生的宿舍，往往可以看到桌面上擺著臺式或筆記本電腦，學生們正熟練地使用計算機上網。在課堂上學生甚至會用手機查找學習資料，幫助理解課堂知識。所以，個人電腦的易于取得為利用互聯網進行學習提供了必要的條件和準備。
2.互聯網的使用方法簡單易學。
現在人們已經普遍懂得使用絡瀏覽器上網閱讀資料，通過搜索引擎和數據庫平臺進行資料查找也很簡單，只要輸入關鍵詞就可以搜索到，使用方法比較簡單。通過電子郵箱收發郵件，通過聊天工具交流信息，傳輸數據，通過論壇發表自己的觀點、看法也是很方便的事情。而這些為互聯網輔助教學起到了促進的作用。
3.學生對網絡的喜愛。
作為年輕的一代，學生對新事物的接受很快。同時他們又具有較強的求知欲和好奇心。校園里的電子閱覽室常常是座無虛席，宿舍里也經常能夠看到學生們上網的身影，學校周圍的網吧也總是生意興隆。上網在學生們的生活中所占的比重越來越大。學生們對互聯網的熱情對利用網絡進行教學大有益處。
1.互聯網上具有美術鑒賞課所需的豐富教學資源。
美術鑒賞課的教學需要大量的圖片、文字、數據、視頻等參考資料，現在網絡當中已經存在有大量與美術相關的網站，可以為教學提供豐富的資源。
（1）具有檢索功能的圖書期刊數據網站。
現在許多院校向這些數據網站交付一定的使用費后提供給本校的師生免費使用。這些網站有幾大好處：一是資料可靠，二是質量有一定的保證，三是能夠滿足同時查閱資料的需要，四是下載后可以長期閱讀，不必擔心借閱超期問題。這些檢索系統的數據是直接把紙質的材料直接轉換成電子數據，中間幾乎沒有數據的丟失或者修改，資料的可信度較大。這些資料也是大部分來源于一些正式的出版物，在質量上是有一定的保證的。圖書館的藏書是有限的，如果出現許多人同時要借某一個資料或者是某一類資料，就不一定能同時滿足借閱的需要，而網絡上的資源就不存在這樣的問題，可以供許多人同時下載，而且沒有借閱期限，可以有充裕的時間來進行閱讀和思考。這是利用互聯網絡進行學習時很重要的一個資料來源。
（2）介紹畫家個人藝術創作為主的網站。
這類網站包括了藝術家的個人網站、藝術家個人美術館所辦的網站。藝術家的個人網站一般包括藝術家的個人簡介、作品的在線展示、藝術觀點和評論文章，以及藝術活動、出版著作和獲獎收藏等等。這類網站往往能夠較好地選擇出代表藝術家創作面貌和整體水平的作品。對藝術家的介紹也比較概括、簡練。同時網站往往還放有藝術家所撰寫的文章、訪談以及一些比較有代表性的評論文章等。藝術家個人美術館所辦的網站由于有專業的藝術研究團隊以及固定的資金的支持，網站規模就要大得多。對藝術家的介紹文章一般要更加的細致深入，在線作品范圍更廣，包括了藝術家不同時期的代表作品，著錄也較為詳細，而且這些美術館里因為收藏有藝術家的大量作品，所以在這些網站上還可能看到一些在別的網站不常見到的作品。網站上表現藝術家自己藝術觀的文章、訪談以及評論、研究文章更為豐富和齊全，能夠讓學習者全方位多角度地了解藝術家及其作品。這些網站也是比較可靠的美術鑒賞教學的資料來源。
（3）美術史課程學習的網站。
這類網站專為美術史學習、愛好者設計，內容豐富，圖文并茂，編排嚴謹，科學合理，可靠性強，能夠為課程學習提供大量的參考。
（4）美術組織機構的網站。
這些網站中包括了美術中各個門類藝術協會所主辦的網站，地方及全國美術家協會的網站。這些網站里有協會展覽、學術動態、藝術新聞、藝術家介紹、藝術理論、新作展示及博客、論壇等等。這些網站的專業性比較強，學生能夠從中學習到不少專業知識，而且對了解各個學科發展的最新動態有很大的幫助。
（5）美術的綜合性網站以及綜合網里的美術部分。
這些網站包含了和美術有關的大量信息，內容豐富，包羅萬象。它們的受眾面較廣，常常還包含了收藏方面的內容，和現實生活聯系比較緊密。學生通過瀏覽這些網站，可以把課堂中學到的知識、理論、方法等和現實生活中的美術現象聯系起來理解，可以努力做到理論聯系實際，學以致用。
（6）百科類網站。
這類網站往往包括畫家簡介、生平經歷、作品介紹、藝術特點、藝術主張、社會評價、市場價格、收藏價值等方面的內容。但由于部分這類網站在制作上不是由網站專業人員編輯，而可能是由會員上傳、編輯資料，內容上可能有重復編排或者邏輯不清的現象，質量也參差不齊，所以在可信度上應當引起注意。但是，由于其資料相當豐富，查找方便，所以可以作為學習的參考，但一定要注意辨別。
（7）貼吧、論壇和微博。
這些網站上也有大量的圖片、文字、數據資料，但這些資料隨意性較大，對其真實可靠度要注意鑒別。
2.互聯網為美術鑒賞學習提供交流的平臺。
在學習的過程中，不僅圖片、文字是重要的學習資源，學習的伙伴也是學習的重要資源。如果大家能夠交流經驗或者是發出一些有意義的評論，通過相互的交流也可以加深我們對知識的理解和把握。這種交流可以有同步交流和異步交流。
（1）同步交流。
通過qq、msn等軟件可以實現在線同步交流。交流可以以文字的形式，如果接上攝像頭、話筒等設備，還可以進行同步的語音和視頻對話，使用起來非常的方便。
（2）異步交流。
通過一些離線留言功能以及電子郵件、論壇等形式可以實現異步交流。比如學生可以給教師發郵件或留言，也可以在論壇上相互討論，交流可以不受時間、地點等限制，具有更多的靈活性。通過這些交流平臺，學生可以了解更多與美術鑒賞相關的信息，交流不同的觀點，進一步加深學習。
美術鑒賞課包括了古今中外所有藝術家的美術作品、風格流派等方面的鑒賞，同時還需要了解美術方面的基本知識，藝術家人生經歷、創作過程，以及與之相關的歷史、經濟、文化等方面的知識。從鑒賞的角度和方法來講，除了課本上介紹的常見的幾種之外，還存在著其他多種的鑒賞角度。所以美術鑒賞課課程自身的特點，決定了它非常適合運用網絡來輔助教學。
（2）因材施教的需要。
每位學生學習的專業、基礎、學習的程度、興趣愛好都是不相同的。如果說僅僅通過課堂上相對統一的教學是不能完全滿足每位學生的需要。學生們應該從因特網上巨大的資源庫中獲取自己所需的知識，開拓一個課堂以外的廣闊的學習空間，進行一種個性化的學習。
（3）素質教育的需要。
素質教育給我們的教學提出了新的要求：“智育工作者要轉變教育觀，改革人才培養模式，積極實行啟發式和討論式教學，激發學生獨立思考和創新意識，切實提高教學質量。要讓學生感受、理解知識產生和發展的過程，培養學生的科學精神和創新思維習慣，重視培養學生收集處理信息的能力、獲取新知識的能力、分析和解決問題的能力、語言文字表達能力以及團結協作和社會活動的能力。”美術鑒賞課是一門和實踐聯系非常緊密的課程，它最終要形成的是實際生活中對美術的鑒賞能力。因此，美術鑒賞課不能僅僅局限于課堂上對知識的傳授，更重要的是能力和素質的提高。通過互聯網的使用，學生在眾多信息的選擇、感受、思考、分析、歸納、總結中，不斷提高綜合素質。
2.互聯網輔助美術鑒賞教學具有以下優點：
（1）能夠解決傳統教學中學習的局限性問題。
傳統的教學是圍繞著教材和教師的課堂教學展開的，著眼點是知識的傳授。而課堂教學的時間是有限的，學生所能學到的知識也是有限的，理解問題的角度也比較單一。而要真正對一件作品形成深入的認識，就要了解這個作品創作者的其他相關的系列作品以及和這件作品相關聯的大量作品以及參考資料，了解不同人的不同觀點和看法，才能真正得出自己的判斷。而且美術鑒賞所涉及到的知識面非常廣，無論是對圖片還是文字資料，都要有一個量的積累才能真正學好。而互聯網上存在著學習的巨大的資源庫，它是一個除了課堂之外更為廣闊的學習空間。通過上網可以方便地獲取大量的文字、圖片、視頻等資料，可以加深對于知識、概念、理論的理解，對畫家、作品、流派能夠形成更為全面、豐富、準確的認識，還能對自己感興趣的部分進行拓展或者深入學習。因而教師在教學過程中要積極轉變教學思想，具有開放式的教學觀念，采用啟發式的教學，上課時不要對講授的內容過早地下定論，要給學生留下更多的思考的空間。通過課前、課后的思考題以及上課時的討論，引導學生積極到互聯網上去查找資料。應當讓學生知道，學習具有多元性，不僅僅要在課堂里學習，還要懂得、擅于使用互聯網，在互聯網上可以通過各種各樣的途徑獲得更多的知識。這樣，可以將美術鑒賞的學習從課堂延伸到課外，豐富和加深我們對課程的學習。
（2）改被動學習為主動學習，建立學生學習的主體地位。
在以講授為主的教學當中，學習往往是被動的。學生所了解的往往只是書本及老師所講的知識，自己占有的材料比較少，能夠進行主動思考的余地也就不大。如果依托于互聯網上的資源，學生通過建構式學習，采用討論的學習方式，就能夠更好地進行主動學習。在這樣的教學里，教師可以根據教學內容設定一定的問題，然后讓學生根據這些問題到網上去查找相關的資料。在觀察和感受的基礎上，通過對資料的分析、歸納、整理，形成自己的觀點。學生們帶著這些觀點來到課堂上，通過與其他同學的討論，能夠加深對問題的理解和認識。這是一個主動學習的過程，通過這樣的學習，學生的印象會更加深刻，而且從互聯網獲取信息的能力、思維能力以及表達能力都得到較大而提高。在實際的教學當中，討論是學生非常喜愛的學習方式，它能使課堂氣氛變得活躍，激發學生學習熱情，增加學生學習的興趣。在這樣的學習的過程中，學生主動地將所需要的知識融入到自己的知識系統當中，也做到了個性化學習，達到因材施教的目的。同時我們還要知道，這種討論不僅僅是在課內，互聯網大大擴展了人們交流的范圍。除了同班同學之外，還可以通過校園網和同一個學校的同學交流觀點。另外，還可以通過qq上的興趣組，貼吧、論壇等方式進行交流。
（3）學校和家庭要做好監督工作，做到安全、健康、文明上網。科技的發展使得互聯網對我們的生活產生深遠的影響。教育要實現現代化就要利用好這一技術條件。面對新的教育發展形勢，美術鑒賞課要充分利用網絡教學資源，積極轉變教學觀念，探索新的教學方法和手段，不斷適應現代社會對人才培養的新要求，提高學生的全面素質，只有這樣才能促進美術鑒賞教學的不斷進步、發展和提高。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇三
班級：軟件1304姓名：王永森。
學號：20131692****正文：
這學期學習了美術鑒賞這門課，通過這門課的學習，讓我認識到美術鑒賞是一門對美術作品進行欣賞、感受、分析和判斷的一門學科，這門課讓我對美術有了新的認識，新的觀念和理解。同時，也提高了個人修養。就美術而言，有中國的和外國的，而中國的又有古代的近現代的，其中又包括很多類，有繪畫，雕塑，建筑，園林藝術等，美術可謂所涉及的種類之多，范圍之廣，中國的和外國的各有特色。下面我們就來說說中國的美術及外國的美術。
美術，就中國來說，從古代就非常有特色，先從繪畫說起，其種類有很多，根據技法的不同，可分為工筆和寫意兩種，前者強調調以線造型，只表現物體的固有色，拋棄環境對物體的影響，后者也強調以線造型，但是更強調筆墨的感覺，曰：有筆有墨謂之畫。色彩遵循“色不礙墨，墨不礙色”的法則。利用生宣紙滲透性強的特點，充分發揮毛筆和墨的功能，表現出墨的焦、重、濃、淡、清的特點。不管是工筆還是寫意。都不強調對光的刻畫，只表現物體本身的固有色，和物體本身的陰陽向背。對空間的刻畫，采用意象空間的方式。而近現代的繪畫與古代的繪畫略有不同。
然后我們可以再看看中國的雕塑，因古代社會制度、文化、哲學與宗教，都不同于古代希臘，中國古代又重禮教，尊鬼神，藝術重心傾向于工藝美術，在禮器、祭器上發揮藝術天才，并且同樣也形成傳統，影響深遠。從陶器、青銅器、玉器及漆器等工藝品發展出以裝飾功能為主的實用性雕塑，在歷代都占有主流地位。中國有中國的歷史和文化特殊性，也有其藝術的特殊性。綜合上述分析我國古代雕塑藝術作品特征表現這幾個方面：有中國古代雕塑的裝飾性。無論是人物還是動物，也無論是明器藝術、宗教造像還是建筑裝飾雕刻，都反映著傳統悠久的裝飾趣味。中國古代雕塑具有明顯的繪畫性。中國古代雕塑和繪畫都有著原始工藝美術，二者相互結合相互補充，中國雕塑和繪畫具有審美要求上的一致性。還有一個特點就是意象性，西方雕塑從古希臘時期起，就努力摹仿再現自然，寫實性極強。中國雕塑和繪畫很遲才脫離工藝美術的母體而獨立門戶。我們必須換一種眼光，使用我們自己民族的藝術標準和審美習慣，來欣賞中國古代雕塑“以形寫神”的藝術效果。感受到一個藝術品所傳達的人的生命力、精神狀態和宗教境界等等形而上的東西。所以雕塑藝術對我們生命認識有很大的影響。
當看完中國雕塑后，中國的建筑也是一種藝術，在古代，以木質材料為主，有很多特色的建筑，如故宮。其中以宮殿和都城規劃的成就最高，突出皇權至上思想和嚴密的等級觀念。其次，又特別注重群體組合的美，或取中軸對稱院落式布局，或為自由式，以前者為主。還有注重與自然的高度協同，尊重自然。然后，藝術性格特別重視對中和、平易、合蓄而深沉的美的追求。中國建筑藝術是中國人的倫理觀、審美觀、價值觀和自然觀的深刻體現。在漫長的發展過程中，中國建筑始終保持了自身的獨特性格。中國的建筑藝術，深刻影響著我們的生活，一直持續到現在。
再說說中國的園林藝術，中國的園林藝術已經有了三千多年的歷史了，并且在不斷的發展中逐漸形成了具有民族特色的風格。中國園林藝術與西方的幾何形園林藝術不同，中國古代園林綜合了建筑繪畫雕刻以及詩文等多種藝術。將自然山水的景色濃縮、集中到庭院之中是中國園林的一大特色。中國古典園林的園景上主要是模仿自然，用人工的力量來建造自然的景色，園林中除大量的建筑物外，還要栽花種樹，用人工仿照自然山水風景，參以詩詞的情調，構成許多如詩如畫的景。除滿足造園者滿足居住上的享樂需要外，更重要的是追求幽美的山林景色，以滿足精神上的享受。中國古典園林經常用詩詞書畫渲染氣氛，提升意境。這就是中國古代園林藝術的高超技藝，特點十足，中國近現代的園林藝術有很多都是模仿古代的設計特色而構建的，很有古色古香的味道。
外國的繪畫，很強調對色彩的運用，這是西方與中國繪畫的本質區別。從實際上來說，西方傳統繪畫并不是不講藝術，只不過是在講究藝術性的同時，兼顧著諸多非藝術性的方面。這大概就是傳統繪畫區別于現代派繪畫的重要標志。西方傳統繪畫的另一個特點，是強調描述。長期以來畫家們一直是把有效地表現故事和傳說、描繪具體的情節，以表達某種寓意或象征，當作自己的任務。西方傳統畫與現代繪畫差異，還反映在對于所謂再現的不同態度上。對于傳統繪畫來說，再現是其根本所在，也可以說是西方傳統繪畫的基本目標。西方繪畫畢竟與中國繪畫有所不同，各有特色，當談到西方繪畫時，我們會想到許多與中國不同的地方，這可能也受著文化習俗與崇拜信仰的影響，再加上宗教等的一些，差別肯定很大，所以，我們要用不同的眼光來看待西方的繪畫。
不光有繪畫，還有外國的雕塑，因為受地理位置影響，以及文化差異，宗教信仰的不同，西方雕塑與中國的雕塑藝術也大有不同，所以說中西方雕塑藝術的題材與形式上的不同由地理環境和社會組織結構的不同所決定。主要以歐洲為中心，代表作品有很多，其中以古希臘雕刻，古羅馬雕刻，中世紀雕刻，文藝復興時期雕刻等。其次，又由于觀念意識，思維模式不同所造成的中西雕塑在表現方式上的差異。當對比西方文化時你會發現，中國的傳統文化是追求的是統一的整體，而西方則是把一個整體分為不同的部分，西方文化重視的是邏輯推理的思維模式，結合了古希臘的科學主義與理想主義，為西方雕塑藝術奠定了基礎，而中國的雕塑則強調直觀意識思維方式，通過直覺來感悟，體驗把我對象，著兩種思想意識上的差別形成了中西雕塑藝術的不同。然后，中西雕塑的也表現在功能和類型上的差異。從這些就可看出中西文化差異也表現在雕塑藝術層面。
與中國的不同，外國的建筑，和其他的如繪畫，雕塑也差不多，都受本土地理環境與文化影響著，自然也和中國的不同，同樣我們要從不同的角度去看，才能深刻了解與體會和感受到西方建筑藝術的特點。西方建筑每每以巨大的體量和超然的尺度來強調建筑藝術的永恒與崇高。它們具有嚴密的幾何性，常常以帶有外張感的穹隆和尖塔來渲染房屋的垂直力度，形成傲然屹立，與自然對立的外觀特征。古代埃及建筑文化的代表——金字塔與神廟，便突出表現了這一特點。金字塔是埃及法者或貴族的陵墓，古埃及人信奉靈魂不死的觀念，認為死后永久保存肉體，便可在天國求得永生。由此，埃及法老在世時均要為自己營建代表永恒信念的金字塔。金字塔與我國古代王陵絕然不同，它不帶有“入土為安”的陰柔之美，也不在深埋地下的地宮中去創造宛若人世間的富庶華麗生活的地下天堂，而是以最簡明有力的幾何形式，集中表現出一種與世長存的永恒主題。從藝術哲學觀念來看，位于尼羅河西岸開羅近郊的吉隆金字塔群，正是以其巨大、單純、簡潔、穩定的造型，在廣闊、原始、渾樸的大漠中，表現了一種超自然的純陽剛之美，而產生了強烈的紀念性——神圣，永恒，莊嚴，崇高。所以像金字塔這樣的建筑自然在中國不會出現，說到這，讓人無法想象，西方古代的技藝是如何的高深，現代的人們都無法解開金字塔之謎，這還需要我們慢慢去探索，慢慢去發現，去欣賞更多的美，更多的藝術。
總之，美術鑒賞是一門讓人們更加深刻去認識美的課程，可以提高我們的人生修養，我們要不斷的去學習，去體會，去感受。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇四
論“中國美術史宋元明清時期”
藝術，從人類起源而誕生而且隨著人類精神生活的提高而不斷發展，不斷完善。現在的藝術通常可以從三個層面來認識。第一是從精神層面，把藝術看作是文化的一個領域或文化價值的一種形態，把它與宗教、哲學、倫理等并列。第二是從活動過程的層面來認識藝術，認為藝術就是藝術家的自我表現、創造活動，或對現實的模仿活動。第三是從活動結果層面，認為藝術就是藝術品，強調藝術的客觀存在。而在中國美術“這個專門名詞，在中國是從”五四"新文化運動開始被文藝家和教育家普遍運用的，但后來，中國的文藝界，和美術界逐漸把藝術和美術分離開來，藝術成為表現人類情感的一門學科，而美術便成為了藝術的一個分支，用來表示視覺上的藝術效果，例如墨水畫，雕刻，等其他表現形式。
在中國的美術史上，有過許許多多的美術巔峰期，戰國秦漢時期的雕塑和青銅器，隋唐時期的繪畫與佛教美術石窟，以及宋元時期多元化的繪畫技巧。而這其中宋元時期的繪畫經過前面各段時期繪畫技巧的不斷積累達到中國封建時期繪畫的最高峰。下面，我將著重介紹宋元明清時期繪畫的藝術特征和繪畫風格。
首先是兩宋時期，兩宋時期是我國古代繪畫彩墨爭輝，情景交融的新時期，其繪畫在隋唐五代的基礎上得到了很好的發展。民間繪畫、宮廷繪畫、文人士大夫繪畫各自形成體系，彼此間又相互影響、吸收、滲透，構成了宋代繪畫豐富多彩的面貌。兩宋在一段時期內，社會保持著相對安定的局面，商業手工業迅速發展，出現了空前未有的繁榮。其次，南宋雖然偏安江南，由于物產豐盛，大量南遷的北方人和南方人一起共同開發江南，使得兩宋文化都得到了繼續和發展，并超過了北方。另外，這個時期的政治形式，經濟發展和社會思想文化狀況，都對繪畫的發展有著不同程度的影響。另外一個重要的原因便是皇室貴族對美術需求量的日益增長和統治階級對美術的重視和愛好，使得宮廷繪畫出現了前所未有的繁榮。另外，城市的繁榮和市民階層的壯大，也使繪畫和社會群眾建立了較前代更為廣泛的密切聯系。人物畫在反映現實生活中有了大幅度的進步，從唐代以畫重大歷史事件和貴族生活為主，擴展到描繪城鄉市井平民生活的各個方面：這其中的代表就是張擇端的《清明上河圖》。花鳥山水畫的發展也超過了以前時期。由于社會的重視，山水畫逐漸躍居繪畫的主體地位，并朝著廣度和深度進一步發展，更加注重寫生和技法的探索，呈現出巨匠輩出，異彩紛呈的繁榮景象，元代繪畫在唐，五代，宋的基礎上，有了顯著的發展，特點是取消了畫院制度，文人畫興起，人物畫相對減少。繪畫注重詩書畫的結合，舍形取神，簡逸為上，重視情感的發揮，審美趣味發生了顯著的變化，體現了中國畫的又一次創造性的發展。元代前期各位畫家對唐，五代，宋以來的山水畫繼承和發展進行了認真的探索。花鳥畫以梅蘭竹石為主體的文人畫廣泛流行，講求自然和筆墨情趣。許多山水畫家也兼擅水墨花鳥和梅蘭竹，文人畫占據畫壇主流。因元代未設畫院，除少數專業畫家直接服務于宮廷外，大都是身居高位的士大夫畫家和在野的文人畫家。他們的創作比較自由，多表現自身的生活環境、情趣和理想。山水、枯木、竹石、梅蘭等題材大量出現，直接反映社會生活的人物畫減少。作品強調文學性和筆墨韻味，重視以書法用筆入畫和詩、書、畫的三結合，提倡遺貌求神，以簡逸為上,追求古意和士氣,重視主觀意興的抒發。與宋代院體畫的刻意求工、注重形似大相徑庭，形成鮮明的時代風貌，也有力地推動了后世文人畫的蓬勃發展。
明朝時期蘇州地區逐漸發展成為南方的大都市。經濟的發達促進了文化的繁榮，繪畫名家出現很多，文人名流經常聚會宴飲，很多文人把畫畫當作娛樂。他們繼承和發展了崇尚筆墨意趣的元代繪畫傳統。他們新穎的繪畫風格和杰出的藝術成就聞名畫壇。后人將他們稱為“吳門四一談到明朝時期的繪畫，我們就會想到唐伯虎，以及江南四大才子，還有就是揚州八怪。誠然，他們以新穎的繪畫風格和杰出的藝術成就而稱譽畫壇。這個時期的繪畫藝術，所取景致，無論是簡陋還是宏闊，都強調清寧的環境和閑適的情致，既基于對客觀環境的提煉概括，又寓含一定象征意義，寄托了文人的理想和品格。另外，明朝即是院體派和吳門畫派并存的時代，與此同時也是兩派興衰交替的時代，以林良、呂紀為代表的宮廷花鳥畫包含了工筆重彩和水墨寫意的不同風格。在民間，受到戴進影響的浙派畫家吳偉，畫風放縱，對當時的畫壇影響很大。明代晚期是吳門畫派最興盛的時期，雖然當時受生活范圍的限制，繪畫題材面狹窄，題材比較單調，作品的重復性很大。但是，他們重視繼承古代人的筆墨傳統，把對風格的追求作為藝術的重要目的。而且，由于他們具有深厚的文化修養，有各自的美學追求，從而也具有一定的創造性。他們的筆墨技巧和表現手法，對后來畫壇有很大影響。
清朝的畫家中比較有名氣就是鄭燮，即是鄭板橋，其詩、書、畫世稱“三絕”，擅畫蘭竹。鄭燮一生畫竹最多，次則蘭、石，但也畫松畫菊，是清代比較有代表性的文人畫家。他的繪畫不是一味的模仿前人的繪畫風格，也不是遠離生活的筆墨游戲，是有著獨特個性，有創新精神。我們可以看出鄭板橋所畫竹子和題畫詩，大多是借竹緣情，托物言志，氣節和氣概，凡竹子的高風亮節，堅貞正直，高雅豪邁等氣韻，都被他表現得淋漓盡致。這正是鄭板橋作品不同于傳統花鳥畫之處，不同于前人之處。傳統的蘭竹大多數表現為欣賞性的、娛樂性的主題，畫面主要追求自然形象的真與美、繪畫技能的高與低、筆墨運用的嫻熟與雅俗，而到了鄭板橋的筆下，除了達到這些技能技巧外，題畫詩還賦予這題材新的思想內容和深邃意境，使花鳥畫亦能產生思想性、抒情性，給人以深刻的感受。另外比較著名的畫家，例如四王（王時敏、王鑒、王翚、王原祁僧），四僧（漸江、髡殘、八大、石濤）。晚期的時候，中國逐漸淪為半封建本殖民地，相應的中國的繪畫也發生了重大變革。雖然受到外國各種繪畫技巧的感染，但他們仍然堅持了中國繪畫的美學基礎。他們在寫意花鳥方面有重大發展，他們繼承了前人的傳統，并將書法，篆刻等藝術表現形式融于繪畫中，以遒勁酣暢的筆力，淋漓濃郁的默氣，鮮艷強烈的色彩以及書法金石的布局，創造出氣魄宏大，豪邁不羈的繪畫藝術形象。對近代的繪畫影響甚大。
總的來說，中國唐代以后的繪畫，無論從繪畫技巧還是從藝術特點上分析，都是中國歷史上最燦爛，最輝煌，最引人自豪的時期，作為后代子孫的我們，應該繼承發揚傳統，將古人的藝術結晶一代一代的傳下去。
希臘神話電影：
《特洛伊》。
《大力神》。
《尤里希斯》。
《蛇發魔女》。
《新木馬屠城》。
《奧德賽》。
《奧菲斯》。
《亞歷山大大帝》。
《世紀對神榜》。
《時光大盜》。
《百劫英豪》《杰遜王子戰群妖》。
《米蒂亞》。
《伊阿宋與金羊毛》。
《俄底浦斯王》。
《特洛伊的女人》。
《非凡的阿芙洛狄特》。
《赫拉克勒斯》。
《赫拉克勒斯的愛情冒險》。
《伊阿宋和阿耳戈船英雄記》。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇五
這學期我有幸上了美術鑒賞課。老師為我們介紹了有關繪畫、建筑、雕塑等方面的知識。使我對藝術產生了一定的興趣。在這里，我就淺談一下對藝術美特征的一些認識。
藝術美是指各種藝術作品所顯現的美。藝術美作為美的一種形態，它是藝術家創造性勞動的產物。藝術家的創作活動作為一種精神生產活動，從本質上說，也是人的本質力量的定向化活動。因此，藝術美也就是人的本質力量在藝術作品中通過藝術形象的感性顯現。
藝術美包含著兩個方面的內容，一方面藝術是對客觀社會生活反映，另一方面藝術又凝聚著藝術家主觀的審美理想和情感愿望。也就是說，藝術美既有客觀的因素，又有主觀的因素，這兩方面通過藝術家的創造性勞動互相滲透、彼此融合，并物化為具有藝術形象的藝術作品。因此，藝術美的主要特征便集中表現為：形象性、主體性、審美性等基本特征。
（一）藝術美的形象性。
藝術美的基本特征之一是形象性。或者換句話說，藝術形象是藝術反映生活的特殊形式。所謂形象性，是指任何藝術作品都必須具有生動、具體、具有一定觀賞價值的藝術形象。普列漢諾夫曾經講過，藝術“既表現人們的感情，也表現人們的思想，但是并非抽象的表現，而是用生動的形象來表現。這就是藝術的最主要的特點”。各個具體的藝術門類，它們所塑造的形象具有各自不同的特點，如繪畫、雕塑、攝影、書法等塑造視覺形象，音樂塑造聽覺形象，戲劇、影視塑造綜合形象，語言藝術塑造不能直接感受到的文學形象等。但無論如何，形象性是任何藝術種類都不可缺少的，是藝術美的基本特征。二）藝術美的直觀性。所謂直觀性，就是具體生動性和直接可感性，它能夠直接作用于人的感覺器官而在大腦中產生感覺、知覺和表象，并進而產生聯想或想象。這是因為任何藝術美總是由形象的美決定的。而一切形象又都是直觀的。有些藝術作品中，藝術美的直觀性表現得十分明顯。例如意大利文藝復興時期著名美術家達·芬奇的優秀肖像畫《蒙娜麗莎》。在另一些藝術作品中，藝術美的直觀性雖然不如上面所說的那么明顯，但是，它們也直接作用于我們的感覺器官，使我們經過聯想或想象，在腦中產生出美的形象。
（三）藝術美的審美性。
藝術美的第三個基本特征就是審美性。從藝術生產的角度來看，任何藝術作品都必須具有以下兩個條件：其一，它必須是人類藝術生產的產品；其二，它必須具有審美價值，即審美性。正是這兩點，使得藝術品和其他一切非藝術品區分開來，也使得藝術美與自然美區分開來。
（四）藝術美的主體性。
藝術美還有一個基本特征，就是主體性。如前所述，藝術作為一種特殊的社會意識形態，藝術生產作為一種特殊的精神生產，決定了藝術美必然具有主體性的特征。毫無疑問，藝術美來源于現實生活并反映現實生活，但是，這種反映絕不是簡單的“模仿”或“再現”，而是融入了創作主體乃至欣賞主體的思想情感，體現出十分鮮明的創造性和創新性。所以，主體性作為藝術美的基本特征之一，不但體現在藝術創作上，而且體現在藝術欣賞中。
（五）藝術美的協調性。所謂協調性，最根本的是指內容和形式的統一，也就是說以完全美的藝術形式表現真實的生活內容。藝術作品的美，表現在形式同內容有機地聯系一在起，并且由內容來決定，而內容又僅僅在一定的形式之中。這主要是由任何藝術美總是生活的反映來決定的。
（六）藝術美的典型性。所謂典型性，就是藝術作品中的形象既具有鮮明獨特的個性又能反映一定社會本質的某些方面，并寄寓著藝術家的審美理想和審美情感。恩格斯要求作家塑造“典型環境中的典型性格”，就是指的這種典型性。毛澤東同志所說：“文藝作品中反映出來的生活卻可以而且應該比普通的實際生活更高，更強烈，更有集中性，更典型，更理想，因此就更帶普遍性。”也是指的這種典型性。藝術美的典型性這一特征，同樣是由藝術美的基本內容決定的，它是人對于美的理想的追求和體現。
（七）藝術美的民族性。所謂民族性，就是各民族在長期的共同生活過程中形成的各自的審美理想和藝術形式的特點。換句話說，任何一件藝術作品中的美都必然具有產生這種美的各個民族的不同特色。這是由于任何一位藝術家都從屬于一定的民族，他的作品中的美必然不能超脫他所在民族的整個歷史。
隨著時間的推移，美術鑒賞課即將結束。很感謝老師為我們提供了那么多有關藝術方面的知識，彌補了我在藝術知識上的不足，也使我對藝術產生了興趣。希望在今后的學習生活中，我能繼續汲取藝術方面的知識，不斷充實自己，豐富自己，提高自身的內涵。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇六
——回首千年的美麗摘要。
豐腴雍容中的雅致，正是盛唐美人所獨有的。帝國的繁榮，綻開在那些花樣面容上，流光溢彩，令人顛倒沉醉。在唐代人物畫中，也許沒有哪一種題材更像仕女畫那樣，可以淋漓盡致地傳達出這一盛世的聲色風貌。
在這一時代，魏晉士大夫所推崇的“秀骨清像”也已了無蹤影。豐肥雍容中的雅致，是盛唐美人所獨有的。這種充滿繁榮、自信、滿足、大氣的風貌，前無古人，后無來者，體現了一個時代的精神狀態。
關鍵詞。
唐代仕女畫。
《簪花仕女圖》周昉。
目錄。
正文。
由于唐代具有對各種文化藝術兼容并蓄的非凡氣度，唐代美術在民族傳統的基礎上又容納了一些外來的藝術形式，豐富和發展了民族藝術傳統，賦予作品一種豐富、健康、生氣勃勃的時代精神。唐代初年，人物畫壇上，一是對傳統藝術的繼承和發展，擴大了表現題材，創造了一些表現當時人物和生活的作品，風格也更趨于雄健；一是在與西域美術交流的基礎上，豐富了表現技巧，為盛唐美術的發展奠定了重要的基礎。
唐代的工藝美術隨著手工業的繁榮和對外貿易、文化交流的頻繁，也獲得了生機，有了大的發展。紡織、陶器、漆器、金銀器以及雕刻等工藝門類，同繪畫一樣融合中外藝術精華，奇藝駢羅，具有健康、明朗、活潑的美學風范。
盛唐以后，在以吳道子為代表的宗教繪畫興盛的同時，直接反映現實生活的風俗畫，特別是描繪仕女生活情態的風俗畫也得到發展。周昉是這一時期這一題材方面的代表畫家，他也是直接影響晚唐五代繪畫風格的畫家。
《簪花仕女圖》是周昉的唐代仕女畫中的曠世杰作，,是唐代仕女畫的又一高峰。
周昉，中國唐代畫家。字景玄，又字仲朗。京兆（今陜西省西安市）人。生卒年不詳。昉是繼張萱之后以表現貴族婦女著稱的畫家。有“畫仕女，為古今冠絕”的美譽。他的仕女畫初效張萱，后則小異，具有用筆秀潤勻細，衣裳勁簡，色彩柔麗，人物體態以豐厚為體的特點。然而，周昉生活的時代，已是唐帝國經過安史之亂由盛而衰，社會矛盾日漸尖銳之際。他筆下的婦女已不同于張萱作品中的歡愉活躍，而仿佛是沉湎在一種百無聊賴的心態中，茫然若失，動作遲緩。縱然是裝飾得團花簇錦，也掩不住內心的寂寞與空虛。在表現時代和生活的深度上，周昉具有卓越的藝術才能，《簪花仕女圖》精致地刻畫了幾個身披輕紗、高髻凌風的貴婦在庭院中閑步、賞花、采花、戲犬等的生活情節。她們步履從容，但眉宇間卻流露出若有所思的心態。圓渾流暢的線條，艷麗豐富的色彩，出色地表現了“綺羅纖縷見肌膚”的效果，為我們記錄了8世紀左右中國最美麗的女性形象，此畫也因為精細而傳神的描繪成為傳世經典。
簪花仕女的意思是頭戴花朵的貴族婦女，而《簪花仕女圖》的得名便來源于此。其實簪花在南北朝時期已成風氣，到了唐朝其風氣越盛。仕女頭上戴的簪花初期多為小花，起點綴作用。當牡丹風行大唐后，帶來直接將盛大的花朵簪于髻頂的風尚，畫卷開端的第一位貴族婦女的發髻上扦插的便是牡丹。再配以髻前的玉簪步搖、珍珠流蘇，以及一身精致輕盈的服飾，使其雍容自得的氣質彰顯無遺。其他幾位仕女發髻所戴的紅色花瓣枝、荷花、鏤空簪花和芍藥花，不同的頭飾表現的是唐朝的盛世繁華。
除了簪花，從圖中仕女豐盈的體態中我們還了解到唐朝以富態為美的審美標準。畫卷中的婦女個個體態豐滿，而且發髻高聳，眉毛畫成瓜子形狀，衣著華麗中充滿飄逸感。這些無一不體現唐朝當時貴族婦女所最求的時尚。豐腴健碩、短頸袒胸的仕女形象也成為那個時代的審美特征。整個唐朝的那種線條飄逸，繪制精美，以及人物眉宇間總是隱含不露的笑意，和周昉的簪花仕女是一脈相承的。唐宋之后的造像或繪制，雖然也算艷麗，結構也還完整，卻總感覺多了些倉促，少了些細膩，多了些塵囂，少了些神怡。這樣看來，畫面上的這些簪花仕女，袒露的也是一個朝代的豐腴和大氣。
唐代的女性尤喜紅色，如武媚娘“開箱驗取石榴裙”，楊玉環“一枝紅艷露凝香”，還有白居易《琵琶行》中歌女的“血色羅裙翻酒污”、“紅綃帶緩綠鬟低”；《簪花仕女圖》中6位女子，都有紅色衣著搭配在身，或是如第1位內穿有斜格紋樣的朱色長裙；或如第2位夾纈長裙以朱為底，配以墨紅相間的團花圖案，格外典雅富麗；最令人稱絕的是身著朱色披風外套的第5位，竟在朱色披風外罩上一層石綠色紗罩，居然無一絲俗氣。畫家用極薄的石綠、赭石、胭脂等色罩于畫上，畫出薄如蟬翼的紗衣，將女士們凝脂般的身體若隱若現地展現在華美而高貴的著裝中，讓人浮想聯翩，驚嘆不已。
按時間來看，周昉創作這幅畫的時代，剛剛經歷了安史之亂，盛唐已經過去，然而畫卷卻向人們展示了這幾位仕女在幽靜而空曠的庭園中，以白鶴、蝴蝶取樂的閑適生活，看似錦衣玉食、無憂無慮，嫻雅得如同一個春夢，也許，畫家無意讓她們經歷世間的繁復，只讓她們在畫面上慵懶著，在時間里閑逸著。
在《簪花仕女圖》之前，繪畫大多表現的是歷史宗教人物，那種亦仙亦幻的美，如同隔著浩渺河漢，離凡塵中的我們有些杳渺。周昉的《簪花仕女圖》，卻是將唐朝貴婦真實的生活場景推到了前臺。也許，周昉無意留給千年之后的品評者太多有關唐朝生活場景的記錄，他甚至不愿添加亭臺樓閣做點綴，只是要把心儀的女子推到薄薄的絹素上，用細而簡勁的線條，淡而豐富的敷彩，一遍遍地描，一筆筆地畫，描畫出薄如蟬翼的衣裙下膚如凝脂的質感，描畫出豐腴婀娜的身姿里柔和恬靜的美感，讓千年之后的我們，驀然回首，驚嘆于她們遙遠而逼人的美麗。
唐代仕女畫的氣氛是輕松與美艷的，觀者盡可以在藝術家們流暢舒緩的線條引導下，從容地去欣賞這個時代的美。這些簪花女子，總是嫻靜地站立著，從唐朝一直站立到今天，身邊依然是瑞鶴孑孑蝴蝶翩翩。連歲月的風，也生怕吹皺了她們薄如蟬翼的披帛襦裙。她們，健康豐腴，儀態萬方，移步回眸之間仿佛有滿懷心事，卻只是散懷于廊下庭前，任時光如水漫漶。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇七
也許是冥冥之中自有定數，在大二的尾巴抓住了藝術的犄角，還記得第一次去上《中外美術鑒賞》課程的時候，第一個女老師給我們放映了幾百年來外國優秀美術作品中的人物畫像，還記得其中的人物畫像中的主人公大多數是女性，同時也說明了外方女性人權的發展見證了外方美術史的發展，還有就是老師在課堂上播放了一些滿是創意的小視頻小發明，其中趣味索然，給人印象深刻，同時也傳播了藝術的趣味性，世人離不開藝術，生活離不開藝術，藝術創造美好生活。
外方作品獨賞識《日出印象》，1872年克洛德。莫奈的這幅名為《日出印象》的油畫首次展出，這幅畫描繪了法國勒阿佛爾港口黎明時分的情景，港口作業區的大致輪廓——起重機、吐著煙的煙囪、建筑——透過濃密的晨霧和滿畫面的匪夷所思的破碎筆觸，觀者所能辨出的就是這些。這幅畫兒當時在大多數人眼中簡直是一團糟。批評家們更是大為惱怒，他們將這幅畫的作者莫奈以及與之畫風相近的畫家的稱為“印象主義”。指責莫乃畫風太幼稚，其畫作不過是小兒涂鴉而已，與勒阿佛爾港日出時的情景何嘗有半點相似。幾年后藝術評論來了個180度轉變，好象莫奈好得不能再好了，仿佛印象派畫家不僅長與用筆而且捕捉視覺真實的技巧已臻化境，令當代畫家相形見拙。
為何莫奈筆下的勒阿佛爾港先被說成一團糟，后來又被稱為對港區日出情景了不起的再現？我們該如何理解此種戲劇化的轉變。
莫奈背棄了關于勒阿佛爾港傳統的種種表達方法，而更趨向于表現真實的自我感受，傳達出自己對日出的鮮活印象，將常識之類擱置一邊，竭力捕捉最初朦朧印象，并將其凝固在畫布上。他試著畫出的是我們打量世界時實際看到的一切，而不是我們料想我們會看到的東西。因此開始的時候人們自然會抗拒，勒阿佛爾港的日出怎么是這樣的呢？可是隨著時間的推移，經過觀察，人們發現，當船襯著城市的背景出現時，在特定的光線下從特定的角度看去，船似乎真的是在城里行駛，有時海天會渾然一色，我們實難分辨何為大海，何為天空。
而就我個人而言，獨愛徐老的作品，徐老一生以畫馬聞名世人，在他個人的藝術成就中，也以畫馬的成就最為卓著。他一生致力于國畫的改革，而體現他國畫改革最高成就的就是他的國畫奔馬。他非常注重寫生，關于馬的寫生畫稿不下千幅，學過馬的解剖。對馬的骨骼、肌肉、組織了如指掌，同時，他還熟悉馬的性格脾氣。在技法上，他以中國的水墨為主要表現手段，又參用西方的透視法、解剖法等，逼真生動地描繪了馬的颯爽英姿。用筆剛健有力，用墨酣暢淋漓。暈染全部按照馬的形體結構而施加，墨色濃淡有致，既表現出馬的形體，又不影響墨色的韻味。徐悲鴻的馬是中西融合的產物，這種融合是極為成功的。其中不得不提曾經轟動一時的《八駿圖》。其中主角——八匹駿馬，一個叫絕地，足不踐土，腳不落地，可以騰空而飛；一個叫翻羽，可以跑得比飛鳥還快；一個叫奔菁，夜行萬里；一個叫超光，可以追著太陽飛奔；一個叫逾輝，馬毛的色彩燦爛無比，光芒四射；一個叫超影，一個馬身十個影子；一個叫騰霧，駕著云霧而飛奔；一個叫挾翼，身上長有翅膀，像大鵬一樣展翅翱翔九萬里。
外國的名畫家還有米開朗琪羅，達芬奇，其中達芬奇的《巖間圣母》引人入勝，它所體現出來的是作者極具表現力的寫實功底，達芬奇的《蒙娜麗莎》為外方世人所稱贊不已，當鏡子被放置在蒙娜麗莎的右手和右肩膀一側，就會看到“戴著頭盔的耶和華”。此外，他們還在這位藝術大師的另一名作《最后的晚餐》中耶穌前方的桌子上發現一個倒置的圣杯。有報道指出，西方某藝術調查組織的這一“鏡子理論”也許解釋了為什么達·芬奇許多作品中的人物似乎都有所指向性或凝視著遠方，就好像在尋找神圣的東西。據記載，達·芬奇經常以鏡像書寫（注：他喜歡從右至左寫字），一方面是防止“對手”剽竊他的創意，另一方面是想隱藏他的一些科學理論。
綜觀中外美術芊芊作品，各具特色。相比而言，中方更重視作品的意境，而西方作品則以體現事物的多種內涵和更注重色彩的運用為特色。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇八
——米開朗基羅。
摘要。
他是一位“無所不能的通才”，他是“人類的藝術楷模”，他的藝術作品都是世上的“典范”。米開朗琪羅是文藝復興時期的“三杰”，之一，他生于1475年。因為在米開朗琪羅家鄉有許許多多的石山，那里有許多的石匠。所以米開朗琪羅在以后曾經很開玩笑地說，我為什么那么喜歡鑿石頭呢？因為在我奶娘的奶水里邊就有錘子和鑿子。
關鍵詞：通才；典范；三杰；石匠。
一、米開朗基羅簡介：
（1）生平簡介。
米開朗基羅〃博那羅蒂（全名michelangelodilodovicobuonarrotisimoni，又譯“米開蘭琪羅”、“米高安哲羅”1475年3月6日－1564年2月18日），意大利文藝復興時期偉大的繪畫家、雕塑家、建筑師和詩人，文藝復興時期雕塑藝術最高峰的代表。與拉斐爾和列奧納多〃達芬奇并稱為文藝復興后三杰。
（2）家庭背景。
米開朗基羅的家族在中世紀曾顯赫一時。不過到其父是，收入微薄。父親是當地的一名法官，脾氣爆烈，但是懼怕上帝。母親在米開朗基羅六歲的時候就死了。之后被寄養在一個石匠的妻子的家里，因此從小就對雕塑發生興趣。事實上，這個家庭沒有任何產生藝術家的可能條件。盡管他在詩文上頗有才賦，但對于父親給他安排的法語課卻絲毫不感興趣。相反，他對繪畫表現出異乎尋常的熱情。
（3）時代背景。
共餐，分享著自羅馬奧古斯都大帝以來一切最顯貴高雅的消遣。他在圣馬可修道院的美第奇學院作學徒時接觸到了古風藝術的經典作品和一大批哲人學者，并產生了崇古思想。時興的新帕拉圖主義和受到火刑懲處的多明我會教士薩伏那洛拉給了他一生最重要的影響。查理五世對他說過這樣的話：“世界上不只有一位皇帝，但不會有第二個米開朗基羅。”
二、米開朗基羅作品鑒賞。
(1)繪畫作品。
?最后的審判?（壁畫1700cm×1330cm1536-1541梵蒂岡西斯廷禮拜堂）這幅畫是米開朗基羅完成西斯廷禮拜堂天頂畫25年后，再一次為這座教堂創作的另一項大工程。此畫的創作歷時6年。此時67歲的米開朗基羅已嘗盡了生命中的痛苦，深知社會上各種人物的罪惡，悲憤幽怨凝聚筆端，正直的藝術家要以?末日審判?是自己進入天堂。“最后的審判”內容取材于圣經故事。畫面背景是清透的藍色空間，人物形象飽滿生動。整幅畫面氣勢磅礴、場面宏大，眾多的人物把畫面分為天堂、人間和地獄三個空間。世界末日來臨之際，位于畫面中央的是基督和圣母。這位鄙視雷同的畫家筆下的基督年輕健壯，體魄像一位斗士，高高舉起的手像是在下達最可怕的命令。他是那樣的嚴厲無情，以致圣母背過了身子，扭過頭去不忍觀看這一殘酷的場面。畫面右側是那些罪孽深重的人們正在被投入地獄，左側則是善良的、遭受不幸人們的靈魂被帶入天堂的過程。畫中人物神態各異：基督用手勢表現了他堅定而決絕的態度；圣母是這幅畫作里最溫柔的一個形象；圍繞著基督執行審判的使者們，聚精會神地凝視著基督等待著他的判決；那些被審判有罪的人們臉上流露出驚恐或絕望；而那些正在升向天堂的靈魂則一臉安靜之色。
（2）雕塑作品。
他留給了許多人們要思考的東西。
2、《大衛》。
大衛是一座立像，高5.5公尺，是在一塊被人損壞過，而沒有雕刻家再敢于動手的，閑置了近半個世紀的巨大大理石上雕刻而成的。米開朗基羅刀下的大衛是一個充滿著旺盛生命力，有著必勝信念的健與美的英雄形象。在米開朗基羅以前，不少雕塑家曾塑造過大衛的形象，往往是表現戰斗勝利后的大衛形象。如多那太羅的青銅雕像《大衛》，顯出喜悅和悠然自得的神情。而米開朗基羅卻是精心刻畫了大衛臨戰前的一剎那頭部微微轉向左方，雙目緊緊地凝視著敵人，左手握著肩上的投石器，右手自然的下垂，略握拳頭，外表的平靜，使塑像更具內在的緊張和運動感，更加顯示出大衛的沉著、勇敢和必勝的信念。米開朗基羅的大衛獲得了盛大的成功，雕像的勃勃雄姿成了當時佛羅倫薩市民心目中抵御外敵、保衛祖國的英雄形象的化身。
3、《摩西》。
《摩西》像是米開朗基羅用了4年時間完成的塑像，對后世產生了極為深遠的影響。它用人體謳歌了正義和力量，使文藝復興人文主義思想在藝術上得到充分體現，在人類雕塑藝術的發展史上留下了濃墨重彩的一筆。受到這一作品的啟發，朗基石在這一系列中完成了一次精彩的飛躍，設計師將對創作的熱情傾心融入到石刻中，運用了冷暖色調的大膽對比和縱深延長的紋路結構，變化中不失平衡，微妙處獨具匠心。
三、總結。
在老師的講解后，我們知道了米開朗基羅是藝術界的一代大師，帶給后人無窮的瑰寶。米開朗基羅在藝術作品中傾注了自己滿腔悲劇性的激情（這個完全可以最后的審判中那張人皮看出來，米開朗基羅在他的作品中融入了自己的感情與信仰）。在米開朗基羅的壁畫前佇立，會使你靈魂得到凈化，使信教者便得虔誠，使一切邪惡變得澄清。他的人物雕像雄偉健壯，氣魄宏大，充滿了無窮的力量。讓人感到人的美與健康。他的雕塑作品以寫實的手法再現了人體的唯美與豐滿，他在細節的刻畫上處理得非常好，我們完全可以從他的雕塑作品的眼神、面部表情等看出人物的心理（這個從圣殤的圣母的眼神、嘴角等都可以感受到那份是傷痛）。通過這學期的美術鑒賞的課程以后，讓我對美術的認識有了一個更加深入的了解。當然不僅是米開朗基羅，還有達芬奇，拉斐爾。對他們的身世和所處時代的背景以及他們所創作的作品背后的故事都有了一個了解，我覺得藝術史一個無邊界的國界。老師的課非常有意思，從埃及的古老文明藝術講到文藝復興的藝術創作，從金字塔講到米開朗基羅的《大衛》作品。課堂的內容徐徐動聽，非富多彩。每次一上課就仿佛走進了藝術的殿堂，身臨其境的跟藝術家們對話。其實回頭想想也是，生活就是藝術，藝術就是生活。在美術鑒賞的課后，我們不僅可以用藝術的眼光看身邊的事物，更可以將藝術融入到我們的生活中去。這樣，我們的生活將充滿趣味，充滿藝術，充滿美。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇九
姓名：學號：指導老師：
寫作時間：2013年6月6。
日
摘要：中國畫國畫在內容和藝術創作上，反映了中華民族的民族意識和審美情趣，體現了古人對自然、社會及與之相關聯的政治、哲學、宗教、道德、文藝等方面的認識。國畫強調“外師造化，中得心源”，融化物我，創制意境，要求“意存筆先，畫盡意在”，達到以形寫神，形神兼備，氣韻生動。由于書畫同源，兩者在達意抒情上都強調骨法用筆、因此繪畫同書法、篆刻相互影響，相互促進。
關鍵字：國畫。
山水畫。
一個學期的美術欣賞課結束了，我受益良多。雖然不能說是精通，但是至少還是懂得了一些。美術鑒賞的最終意義，就在于使大學生的情感得到陶冶，思想得到凈化，品格得到完善，從而使身心得到和諧發展，精神境界得到升華，自身得到美化。這篇論文我就圍繞“中國畫”談談我的認識。
中國畫是中國傳統繪畫的主要種類。從美術史的角度講，民國以前的國畫我們都統稱為古畫。在古代，一般稱之為丹青，主要指的是畫在絹、宣紙、帛上并加以裝裱的卷軸畫。近現代以來簡稱“國畫”。它是用中國所獨有的毛筆、水墨和顏料，依照長期形成的表現形式及藝術法則而創作出的繪畫。中國畫按其使用材料和表現方法，又可細分為水墨畫、重彩、淺絳、工筆、寫意、白描等；按其題材又有人物畫、山水畫、花鳥畫等。中國畫的畫幅形式較為多樣。中國畫在思想內容和藝術創作上，反映了中華民族的社會意識和審美情趣，集中體現了中國人對自然、社會及與之相關聯的政治、哲學、宗教、道德、文藝等方面的認識。
中國畫歷史悠久，兩漢和魏晉南北朝時期，社會由穩定統一到分裂的急劇變化，使這時的繪畫形成以宗教繪畫為主的局面，描繪本土歷史人物，山水畫、花鳥畫亦在此時萌芽。隋唐時期社會經濟、文化高度繁榮，繪畫也隨之呈現出全面繁榮的局面。山水畫、花鳥畫已發展成熟，宗教畫達到了頂峰，并出現了世俗化傾向；人物畫以表現貴族生活為主，并出現了具有時代特征的人物造型。五代兩宋又進一步成熟和更加繁榮，人物畫已轉入描繪世俗生活，宗教畫漸趨衰退，山水畫、花鳥畫躍居畫壇主流。而文人畫的出現及其在后世的發展，極大地豐富了中國畫的創作觀念和表現方法。元、明、清三代水墨山水和寫意花鳥得到突出發展，文人畫成為中國畫的主流，但其末流則走向因襲模仿，距離時代和生活愈去愈遠。
以山水畫為例，我們來了解下中國畫的產生，發展及其內在精神。山水畫萌芽于晉朝，顧凱之在《魏晉勝流畫贊》中第一句就是“凡畫，人最難，次山水，次狗馬”山水畫已成為一個主要表現題材，我覺得人對人自己認識太深才覺得每幅畫人的言態表現得不盡人意，山水可夸大其氣勢表達出其意境即可，狗馬只須表達出其形而已從顧凱之僅有的山水畫《洛神賦圖》中可以窺見當時山水畫初期形態的端倪，基本上如唐代張彥遠在《歷代名畫記》中的所記載的樣子，傳本〈洛神賦圖〉中的山水部分，確實如其所言“群峰之勢，若細飾犀拮”，或“水不容泛，人大于山”無論是山水還是樹石，都表現為高度的概括化，比如樹的表現，銀杏樹僅象征性地以三五片銀杏葉概括，樹枝的“列植之狀”也是“若神臂布指，離現實生活中真實的印行樹有很大距離，正如前邊所論“凡畫，人最難，次山水，次狗馬”。山石僅以“高古游絲”線條勾勒，而沒有皴法，但我認為，水法和云法的表現是極為純熟的，水云的流態動勢相當完美，由此可見，山水畫的表現在當時已達到的藝術水準只是沒有后來的布局合理罷了。
初期的山水畫往往是人物活動的背景，配景，即使獨立為一個專門畫種也是需要一個發展過程的，山水畫初期的這種形態是不足為奇的，雖然我們現在已不能得睹六朝時期的山水畫作品而且見于史料的早期山水畫家也不是很多，顧凱之，宗炳，王微等人關于山水畫論的發展為當世山水畫的發展和成熟作了理論上的準備歷隋唐，五代諸朝，山水畫漸盛。他們可謂山水畫的先驅，六朝時期是中國山水畫的真正起點，雖說是中國歷史上政治最黑暗的時期，卻導致了美學上的最燦爛，我認為這應該歸功于當時不忍心目睹石灰的琴棋書畫的隱士，且當時類似于陶哦淵明，謝靈運的隱逸思想普遍流行，此時人們對自然美有了更深的認識更促進中國山水畫的發展，謝靈運《山居賦》中所記載的始寧山就是典型的例證，他的山水詩開拓了山水詩寫實的審美之路，王維的“詩中有畫，畫中有詩”也正說明了中國山水畫的發展也益于詩的發展和衍生。
山水畫在六朝時期興起的另外一個重要原因是藝術家自身的發展。汗以前的藝術家往往以工匠身份出現他們都依靠繪畫的手藝謀生，繪畫是功利的，必須圍繞服務對象的要求進行創作，但也不同程度促進山水畫的發展。
說山水畫的內在精神，中國山水畫十分強調作者的主觀因素，在山水畫創作中，作者對自然界的認識理解，以及作者的情感流露是起著主導作用的，畫家應當“以情入畫”力求“情景交融”，正如在一幅山水畫上題一首詩或多一個紅戳更能增加山水畫的內在精神和蘊涵，在對客體世界有一個多側面深層次認識的基礎上憑借心靈感受概括勾畫出山水形象，者便是“遷想妙得”許多優秀的山水作品所顯露出來的氣質和高雅的格調，并不僅僅是因為作者具有深厚的筆墨功力，更重要的是作者具有飽滿的創作激情和高深的文學修養。因此山水畫家的學識越高，創作后勁也就越大。唐代山水家的學識越高，創作后勁也就越大，如“外師造化，中得心源”，“搜盡奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到實踐中去。
欣賞中國山水畫我覺得應該首先了解中國山水畫的內在精神，中國山水畫是中華民族藝術知會的寶貴結晶，是燦爛的中華文化的一個重要組成部分，在它自身發展的過程中，逐步地形成了一個完整的獨立的藝術體系，所以民族性是中國山水畫最顯著的特征之一，中國山水畫體現了中國人特有的審美情趣，即簡練，恬靜，含蓄和韻律等。
其實山水畫從一開始就與其它的道家，佛家，儒家有關，佛家的禪宗對中國山水畫的創作影響也是值得討論的，它沒有連續性和次序性，認定在精神上能夠出現自發性的領悟，這種領悟實際上是對人世解憂的解脫和心理障礙的排除，而這些又恰恰是中國山水畫家們孜孜以求的。
佛家是對中國文化影響最大的思想體系，孔子最早提出“仁者樂山，智者樂水”，是以道德價值來評價山水，但是這種對大自然的審美追求，客觀上已超出了道德的范疇，其中的中和之美構成了中國傳統山水畫感情含蓄，氣息平和的總體風格。
儒佛道的自然觀影響于山水畫共同點有三個：一是取法自然，用于自然的統一，二是靜態與動態的統一，三是客觀世界與主觀世界的統一。中國山水畫深刻的思想內涵是與中國古典哲學有著直接的因果關系。繪畫不能沒有哲學思考，沒有哲學思考的繪畫是沒有靈魂的繪畫。
作山水畫須先胸有丘壑。“意在筆先”是中國畫構圖的特點，落筆后應意到筆隨。我們不能忽視道家這里的深遠影響，傳統中國畫家長期藝術實踐中都自覺和不自覺地受到潛移默化的熏陶。作畫在落筆時就應考慮各種陰陽關系，加以對比此和諧的處理，如方圓，橫直，點線，剛柔，濃淡，冷暖，輕重，虛實等等。山本靜，水流則動；石本頑，樹活則靈”正所謂山水之靜動，頑與靈，均是大自然中存在的各種陰陽節奏關系，作為山水畫家如果不自覺到自覺地運用這些關系，筆下可如神助。
接下來，再談談中國畫的藝術特點吧。
一、形與象通，意與形合。形與象通，意與形合是中國畫造型的基本要求。形，指外形、輪廓，是中國畫傳神達意的主要要素。象，指自然客觀存在的萬物形象或作畫者在繪畫作品中創造的藝術形象，即作畫者追求神似而不追求形似，是概括化、藝術化的形。形、輪廓是中國畫造型不可缺少的主要依據，師法自然中的形，經過作畫者思想的提煉和加工，創造“似與不似”之藝術的“形象”，形與象；意，指繪畫作品的思想內容、作畫者的構思設想和創作意圖。它具有三方面的意義：（1）、作畫者主觀的意，即繪畫的立意（2）、畫面形象所體現的意。（3）、繪畫對象的意。作畫者的立意是主觀的，繪畫對象的意是客觀的，畫面形象的意是作畫者師法自然，熔鑄丹青，抒寫胸臆的藝術結晶，這種意是建立在形的基礎之上的，遺物象而取意取神，但舍形不能求意。中國繪畫的藝術形式美是為了表現“神似”，這“神”是一種意，即作畫者對物象本質的認識、審美的感受。
二、境與性會，因心造境。意境是中國傳統美學的范疇，是自我與自然自然的高度融合。境，是畫面中有情趣的自然景象。性，是作畫者的性情、興趣喜好、習性。境與性會是指畫境要與作畫者的性情合一，達到情境交融的地步，意即客觀的自然景物與作畫者的性情有機地結合起來，有如水乳交融，渾然一體，興會神交；因心造境是作畫者按自己的理想所描繪出的生活圖景，這個圖景是現實生活中所沒有、或少有的，是作畫者虛擬出來的虛幻飄渺的藝術境界，是作畫者“心造”之境。
三、心師造化。心師造化是中國畫創作的生活源泉，指作畫者用心靈去師法和感悟客觀事物的內在精神風采，獲得藝術素材，并依自己的審美判斷，進行分析研究，在自己的思想情感的熔爐中加工改造。心師造化是以自然為師，通過“目識心記”或是寫生自然物象，概括提煉物象的基本特征，按一定的構圖規律重新組合物象，創造一種有意味的意境。心師造化的藝術特點是中國畫創作必須要遵循的準則。
四、以詩入畫。以詩入畫是中國畫意境的追求，自唐代王維在畫中把這兩方面有機地結合起來以后，北宋的蘇軾極力的推崇王維“味摩詰之詩，詩中有畫；觀摩詰之畫，畫中有詩。”認為王維創造了一種他人所不能及的意境。同時提出“詩畫本一律，天工與清新（北宋·蘇軾）”的藝術觀點。宋代畫院還以詩意畫作為招畫院畫師的考題，形成了以詩入畫的風氣。后世的畫家，特別是山水、花鳥畫家都自覺地把詩意融入畫中。“詩中有畫，畫中有詩”成為品評中國畫的一個重要的標準，還以畫中是否具有富于詩意的意境，作為評價中國畫雅與俗、優與劣的文野之分。畫中詩意的創造，含蓄而耐人尋味，其獨特韻味是中國畫所獨有的。
五、中國畫的藝術表現語言是點、線、面的組合。點、線、面是中國畫最基本的表現語言，以線為主，點、面為輔，以線造型，以線傳情。線作為中國畫表現的載體，其特定的表現手段在原始的崖畫中就已經有了。它除了作為造型手段之外，它還帶有人的主觀感情因素，性格化的線條中包含著作畫者們的審美情感、學識修養以及對世態的觀點和看法。自然之中，沒有純粹的點、線、面，是作畫者們經過主觀的抽取、概括后融入情思而來的，點、線、面是抽象化的外在表現形式，通過三者的有機組合創造一種和諧、舒適、美好的畫面意境。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇十
鑒賞是小學美育的靈魂，是打開兒童美麗心境的鑰匙。一個對生活充滿熱愛、對生命充滿理解和尊重的人，總是會從不同角度去鑒賞，發現美和價值，這在教育中是一種真正的、充滿智慧的大教育觀。在小學美育中，鑒賞更是必不可少，范圍也是非常廣泛的，課堂教學的藝術鑒賞課外教材的補充鑒賞，興趣愛好的培養鑒賞，人才的賞識教育，從一幅畫，一節課，一本書，一個人，一個國家都有他值得鑒賞的魅力。下面我來談談鑒賞教學的多種形式。
任何美術作品都不是孤立存在的。不是真空的產物，都是在特定的歷史文化背景中創造出來的。因而在進行美術鑒賞教學時，不能單純地講技法，而要將作品回歸到原有的歷史環境中，回歸到特定的文化情境中，讓學生真正體會到作品所要表達的人文含義。
教師可介紹作品產生的時代背景和相關的歷史故事，加深學生對作品內涵的理解。如青銅器、秦俑體現了中華民族的民族精神，中國山水畫體現了意境和神宗意識，古希臘藝術體現了崇尚理想與科學的精神，文藝復興時期藝術作品體現了人文主義思想。在鑒賞中國古代山水畫時，可以放一段中國古箏名曲《高山流水》，一方面能夠集中學生的注意力，另一方面能夠促使學生理解山水畫的意境。有時還可以選擇一些具有文學情節的作品供學生鑒賞，如在鑒賞齊白石的作品《蝦》時，教師可以輕聲吟起齊白石的詩：“塘里無魚蝦自奇，也從荷葉戲東西；寫生我懶求形似，不厭聲名到老低”，幫助學生體會作者創作時的心態，盡快融入到作品的情境中來。
偉大的教育家蘇霍姆林斯基曾經說過：“沒有一條富有詩意的、情感的和審美的清泉，就不可能有學生全面的智力發展。”可見，生活是藝術創作的源泉。生活中的美術現象俯手可拾。在美術教學時，可以密切聯系學生的生活經驗，把課內與課外、校內與校外結合起來，創造出一個宏觀意義上的美學情境。我們可以帶領學生到校園中走走，讓他們分析、評論校園建筑的布局和特色，找自己感興趣的建筑進行全方位觀察。如果有條件，我們還可以帶學生參觀當地的美術館、博物館、宗教寺廟、園林、民居；或者來到野外，那初升的太陽、絢麗的晚霞、雨后的春筍、雪中的高樓等絢麗多彩的大自然會牽動著兒童的心，為美術教育提供極好的營養品。打破教師對講臺的壟斷，打破教科書對課堂的壟斷，開放課堂，提供多元化選擇，以真正適應課程改革的需要。比如《校園小記者》書本要求學生出一期校園小報，學習藝術字。我要求學生當一次真正的小記者，走出課堂，采訪學生和老師，以親身經歷來積累資料和經驗。在實踐中體會藝術的真諦。
人類以眼睛、耳朵、皮膚、鼻子等多種感官去感受美，這在以美育人的美術教學課堂中尤為重要，因此應利用多種途徑加以調動。例如：精美的掛圖、優美流暢的語言、生動形象的表情、優雅的舉止、得體的服飾、悅耳動聽的音樂等等，形成了美的教具、美的語言、美的表情、美的服飾、美的音樂、使美無處不在，美貫穿始終，讓學生感到上一節美術鑒賞課就是一種美的享受，在潛移默化中受到美的熏陶。
學生鑒賞美術作品所得到的感受肯定是見仁見智的。不過，由于受經驗和能力所限，他們的看法也許是幼稚和片面的，但只要是真切的感受，我們就應該給予尊重和認可，不必強求統一。現代美術教學非常重視讓學生表達自己的感受，我們一定要有意識地為學生創造這種機會。
課堂是交互式的主平臺。教師可引導學生在鑒賞過程中討論，在討論中鑒賞，可以從對作品的題材、主題、造型要素與形式等進行討論，還可探討作品的風格，內涵，即感情、觀念、思想等。鼓勵學生在個性的基礎上大膽地表現，發表自己與眾不同的見解。積極創設生動和諧的氛圍，展開想象的翅膀，發揮創新的潛能，做到敢想、敢說、敢做、敢畫，培養學生的創新意識。
計算機可以將課件制作水平提高到一個新的水平。如在教學中，對于點、線、面、體的理解，以前只能枯燥地講解，現在通過計算機的幫助，教師可以成功制作出簡易動畫，演示點到線、線到面、面到體的整個運動軌跡，并運用在畫中的不同位置來觀察不同的視覺效果。從而更好地理解作品構圖。
美術鑒賞課有很強的直觀性，使用計算機輔助教學，通過數碼投影儀，就可以將作品清晰地放大展示，讓學生在鑒賞課上能夠真正地“鑒賞”。
別林斯基說：“美和道德是兩姐妹”。從本質上看，不道德的事物是不美的，只有符合健康的審美心理的事物才是真實、高尚、道德的。換而言之，一個人只有接受了卓有成效的審美教育，在其發現美、評價美、追求美的過程中，形成正確的審美評判標準，才可能成為一個高尚的、有道德的時代新人。因而，在美術教育中滲透思想品德教育，是不可推卸的責任。教師應根據鑒賞作品所蘊含的豐富的內涵，挖掘和強化作品中的德育因素，將思想品德教育、行為規范教育、人格情操教育、理想和人生觀教育有機地結合到教學活動中，以實現“教書育人”的最終教學目的。
當然，在藝術教育中不僅有教師對于學生美術鑒賞的教育，更有對于學生個人的鑒賞，對人的鑒賞，遠比一副藝術作品的鑒賞更具有前瞻性，我們教育的根本是人，推動社會發展的也是人，學生就是我們國家未來的希望，世界的未來主人，因此，人才的培養就是對人的鑒賞，先鑒賞，后發展，是如今教育界流行和倡導的理念，“鑒賞”不僅僅是“愛”，更是信任、尊重、理解、激勵、寬容、提醒。通過鑒賞教育，幫助學生找到學習、生活乃至未來發展最合適的位置，讓他們將自己的個性和潛能發揮到極致，獲得生命的樂趣。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇十一
將15克的鹽放在你的面前，無論如何你難以咽下，但當15克鹽放入一碗美味可口的湯中，你早就在享用佳肴時，將15克鹽全部吸收了。情境之于知識，猶如湯之于鹽。鹽需溶入湯中，才能被吸收；知識需要溶入情境之中，才能顯示出活力和美感。
——德國—學者。
上面一段話很形象精辟地比喻了情境式教學法在美術鑒賞課中的重要作用。看到這段話，我如一個苦苦念經的和尚頓悟一般，參透了知識需要溶入情境之中，才能顯示出活力和美感，課堂才能真正被學生喜歡，被學生吸引。知識就是力量，知識是能力的基礎，知識改變命運，知識具有無窮的魅力，為什么不少學生還厭學？原因之一就是教師沒有讓學生體驗到知識之美。為此我們要擔負起“美容師”的角色，要讓我們所“經手”的知識富有美感，要讓我們所“經手”的知識“流光溢彩，青春靚麗”。
情境式教學法在美術鑒賞課中的重要作用是顯而易見的。
知識本身是具有豐富生動的實際內容，而表征它的語言文字（符號圖象）則是抽象和簡約的。而我們的教材正是由語言文字和圖畫匯集成的，我們在學習知識，欣賞作品時，都要透過語言文字、圖象把他們所表達的實際事物想清楚，把課堂搞“活”起來，從而把兩者真正統一起來，從教育心理學角度講，這樣的學習則是有意義的學習。
教師必須用情感激發學生的學習心向，這是有意義學習的情感前提。正如有的學者所指出的，從血管里流出來的是血，從山泉里流出來的水，從一位充滿愛心的教師的教學里，涌騰出來的是一股股極大的感染力，它可以使學生產生同樣的或與之相聯系的情境。一次講到羅中立的《父親》，學生首先被其領袖式構圖感染，我趁機講中國“遺失”的幾個詞“小姐”、“同志”、“農民”，曾幾何時“農民”與“土佬帽”“不講究衛生”劃上了等號，我教育學生農民是我們的衣食父母，沒有農民，我們吃什么、穿什么，沒有農民工就沒有現在的現代化城市，所以我們要尊重農民，熱愛農民。從而加深了我們對這幅作品的理解。這只是情境的一個維度“情”。(美術教學論文)它是學生進行有意義學習的認識背景，情境的另一個維度是“境”。
在欣賞中國古代繪畫之山水單元專題時，我播放《高山流水》、《平沙落雁》等民族名曲，渲染作品的意境，引發一種思古的心境，讓學生達到未見其境如臨其境的感受。在音樂中想象自己如古人般暢游在幽靜的山水之中，感受大自然山水的美景及意境，這樣學生就能在我為大家創設的“境”中進入山水畫的鑒賞之中。
在欣賞韓熙載《夜宴圖》時，我根據五段式的畫面內容，用音樂分別播放琵琶演奏、舞曲、輕音樂、笛簫合奏，引導學生隨音樂感受作品的具體情節；再如用古希臘的神話傳說，穿插影視講述，引發同學對古希臘文化的向往與興趣，我還邀請同學全班示范羅丹的《思想者》、米隆的《擲鐵餅者》等可行的形體展示，使學生樂意積極主動的參與整個教學，在互動中體會到欣賞的樂趣，增強作品的感悟能力。
以上這種充滿情境式的教學，把本來死板的不會動彈的文字，變成了有生命的東西，鉆進了孩子們的腦海中。相反，“如果照著教學法的指示辦事，做的冷冰冰的，干巴巴的，缺乏激昂的熱情，那未必會有什么效果的。”（贊科夫語）這是因為“未經人的積極情感強化和加溫的知識，將使人變得冷漠”。在課堂中如果教師上課冷漠，那么學生聽課也必然冷漠。教師無激情講課，學生必然無激情聽課；教師無真情講課，學生必然無真情聽課。
沒有激情，課堂教學就像一潭死水；沒有真情，師生即使面對面，也猶如背對背。只有激情和真情才會師生之間產生一種相互感染的效應，從而不斷激發學生的熱情喚起學生的求知欲，激發學生進入教材的欲望，感受“身臨其境”意境。情感激發的目的在于為課堂教學提供一個良好的情緒背景，學生興致勃勃，興趣濃厚，甚至興高采烈，這是教學的最佳精神狀態。正如英國教育學家洛克說的“孩子學習任何事情的最合理的時機是當他們興致高、心里想做的時候。”
創設情境既要為學生的學習提供認知停靠點，也要激發學生的學習方向。這是情境教學的兩大功能，也是促進學生有意義學習的兩個先決條件。
當然，我們都注重“情境”吸引學生，激發學生的求知欲，課堂因此有了生氣、有了效率，但是，有的教師只把它當作點綴，還有一些教師卻因此迷失了教學的方向。不少教師對情境在教學中的應用存在偏差，創設的“情境”要么目的不夠明確，師生的調侃游離于教學目標之外，要么缺乏價值取向過于花哨。如果設置不好，反而弄巧成拙，一味地挖空心思地在教學備課中為創設情境，尋找素材花費大量的時間和精力，卻忽視了‘備美術’、‘備學生’，忽視了現實情境背后所隱含的美術線索，抓不住一節課的教學重點不懂得如何克服難點，對學生的認知起點定位不準，即所創設的情境再吸引人，也很難說是一堂成功的美術鑒賞課。因此，在注重情境的同時，還必須更深入地研究美術教材及學生。還有一種現象，有些創設情境無關因素大大干擾了課堂的進程，導致課堂效率低下。
如在鑒賞《中國古代陵墓雕塑》時，教師從奴隸社會的陪葬講到世界各地的葬禮竟然用了一節課的三分之一時間，這樣就本末倒置，抓不住重點了。
另外“情境”的創設并不時時處處需要，而應根據具體情況進行具體分析。情境作為美術知識的載體，是為美術教學服務的。我們應根據美術知識的線索，努力創設“良好的”“合適的”情境。
總之，情境式教學在美術鑒賞課堂中是課堂教學的基本要素，有利也有弊，對其弊端要克服，更要發揮其有利的方面，努力創設有價值的教學情境，更好地為課堂教學服務，讓課堂成為學生學習的樂土。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇十二
摘要：
中國十大傳世名畫之一。北宋風俗畫作品，寬24.8厘米，長528.7厘米，絹本設色，是北宋畫家張擇端存世的僅見的一幅精品，屬一級國寶。《清明上河圖》生動地記錄了中國十二世紀城市生活的面貌，這在中國乃至世界繪畫史上都是獨一無二的。自從問世，人們對清明上河圖的評價和鑒賞從沒有中斷過，可見其藝術價值之高以及作者畫技的高超。在不斷的探索和評價過程中，我們對美術的鑒賞本質也有了一定的認識。
關鍵字：
清明上河圖張擇端美術鑒賞美術鑒賞的意義。
引言：
《清明上河圖》的鑒賞，對畫家張擇端的了解，進一步探索美術鑒賞對我們的意義和啟發。
正文:。
美術鑒賞是對美術作品進行評價和欣賞。美術鑒賞是一種審美活動，它是鑒賞者運用自己的感知能力，情感，審美經驗和知識修養，對美術作品進行感受、體驗、理解和評價，從而獲得審美享受和藝術知識，提高審美能力，陶冶情操的過程。它也是鑒賞者面對足以引起審美感情的作品，兩者相互作用而產生的一種心物感應，物我交融的復雜的心理過程。
下面以中國十大傳世名畫之一《清明上河圖》為例，先對作品進行鑒賞，然后結合這幅作品來談談美術鑒賞的意義。
《清明上河圖》寬24.8厘米，長528.7厘米，絹本設色，是北宋畫家張擇端存世的僅見的一幅精品。《清明上河圖》生動地記錄了中國十二世紀城市生活的面貌，這在中國乃至世界繪畫史上都是獨一無二的。作品以長卷形式，采用散點透視的構圖法，將繁雜的景物納入統一而富于變化的畫卷中，畫中主要分為兩部分，一部分是農村，另一部分是市集。畫中有五百五十余人，牲畜五六十匹，船只二十余艘，房屋樓宇30多棟，車13輛，轎14頂，橋17座，樹木約180棵，往來衣著不同，神情各異，栩栩如生，其間還穿插各種活動，注重情節，構圖疏密有致，富有節奏感和韻律的變化，筆墨章法都很巧妙，頗見功底。這幅畫描繪的是北宋汴京市井生活清明時節的繁榮景象，是汴京當年繁榮的見證，也是北宋城市經濟情況的寫照，栩栩如生地描繪了北宋都城汴京的日常社會生活與習俗風情。好一派繁榮昌盛的景象啊!
全畫分為三個部分：
一、汴京郊野的春光：疏林薄霧中，掩映著低矮的草舍瓦屋、小橋流水、老樹、扁舟，阡陌縱橫，田畝井然，依稀可見農夫在田間耕作。兩個腳夫趕著五匹馱炭的毛驢，向城市走來。一片柳林，枝頭剛剛泛出嫩綠，使人感到雖是春寒料峭，卻已大地回春。路上一頂轎子，內坐一位婦人。轎頂裝飾著楊柳雜花，轎后跟隨著騎馬的、挑擔的，從京郊踏青掃墓歸來。
環境和人物的描寫，點出了清明時節的特定時間和風俗，為全畫展開了序幕。
二、繁忙的汴河碼頭：汴河是北宋國家漕運樞紐，商業交通要道，從畫面上可以看到人煙稠密，糧船云集，人們有在茶館休息的，有在看相算命的，有在飯鋪進餐的。還有“王家紙馬店”，是掃墓賣祭品的，河里船只往來，首尾相接，或纖夫牽拉，或船夫搖櫓，有的滿載貨物，逆流而上，有的靠岸停泊，正緊張地卸貨。
橫跨汴河上的是一座規模宏大的木質拱橋，它結構精巧，形式優美，宛如飛虹，故名虹橋。一只大船正待過橋。船夫們有用竹竿撐的;有用長竿鉤住橋梁的;有用麻繩挽住船的;還有幾人忙著放下桅桿，以便船只通過。鄰船的人也在指指點點地在大聲吆喝著什么。船里船外都在為此船過橋而忙碌著。橋上的人，也伸頭探腦地在為過船的緊張情景捏了一把汗。這里是名聞遐邇的虹橋碼頭區，車水馬龍，熙熙攘攘，名副其實地是一個水陸交通的會合點。
三、熱鬧的市區街道：以高大的城樓為中心，兩邊的屋宇鱗次櫛比，有茶坊、酒肆、腳店、肉鋪、廟宇、公廨等等。
商店中有綾羅綢緞、珠寶香料、香火紙馬等的專門經營，此外尚有醫藥門診，大車修理、看相算命、修面整容，各行各業，應有盡有，大的商店門首還扎著“彩樓歡門”，懸掛市招旗幟，招攬生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商賈，有看街景的士紳，有騎馬的官吏，有叫賣的小販，有乘座轎子的大家眷屬，有身負背簍的行腳僧人，有問路的外鄉游客，有聽說書的街巷小兒，有酒樓中狂飲的豪門子弟，有城邊行乞的殘疾老人，男女老幼，士農工商，三教九流，無所不備。
交通運載工具有轎子、駱駝、牛馬車、人力車，有太平車、平頭車，形形色色，樣樣俱全。繪色繪形地展現在人們的眼前。
張擇端在作這幅畫時極注意細節，人物的表情栩栩如生，動作定格生動，使人身臨其境。他并不注重虛境和實境的對比，而是細致描繪每個角色，甚至畫中的樹木都做細致的刻畫，不同樹木的質感和空間對比都表現得極為充分。人物和食物的比例合度，遠近也層次分明。畫家在作畫時線條清晰自然，顏色深淺濃淡事宜，人物表情豐富，直達內心，景物自然和諧，與人物相應成輝，所體現的朝氣和諧的繁榮景象，充分反映了張擇端對客觀外界和主觀感受的高度尊重。
畫家在注重實際事物刻畫的同時，又注重繪畫本身的筆墨意趣。在畫家看來，繪畫之美并不僅僅在描繪自然景色，更重要的是筆墨本身所體現的美，所傳達出的畫家的主官感受、氣勢和意趣。
下面結合這幅作品來談談美術鑒賞的意義。
通過對這幅《清明上河圖》的鑒賞以及推及到其它的作品可以看出，通過對美術作品的鑒賞不僅可以學到美育知識，更可以培養創造美的能力。對我們的性格，感情，認識，人生觀，思想觀等都有非常重要的意義，可以培養我們的積極性、主動性，使藝術素養、人文修養得到提高。
更具一般的說，美術鑒賞的意義在于使作品完成它的創作使命。沒有欣賞或鑒賞的作品，即不與觀眾見面的作品是不會產生任何社會作用的，美術作品只有通過鑒賞才能產生作用。美術鑒賞的過程是觀者積極思考，根據自己的生活經驗及掌握的知識，對作品加以理解而使作品達到完善的過程。具體作品面對不同的觀者將產生不同的效應，但美術作品存在的共同效應是主要的。美術欣賞是為提高人們的文化素養與審美素質，以促進社會發展為目的。
首先美術鑒賞可以幫助我們開闊眼界，擴大知識領域。人類生活的世界是極其廣闊的，生活內容無比豐富，但對每個兒人來講，不管他如何見多識廣，也不可能體驗到社會生活的一切方面。然而，借助于古今中外許多優秀的美術作品，卻可以使我們形象的接觸到許多人生與經歷遠遠不能涉及的'廣闊領域。以中國的美術作品為例，上下五千年，許多繪畫，雕塑，工藝和各種建筑藝術，都可以幫助我們開闊眼界，使我們從中了解到許許多多從書本上和個人經歷所無法得到的生動而豐富的知識。外國美術作品，更向我們展示了一個廣闊的世界。所以通過對古今中外美術作品的欣賞，可以幫助人們周游世界，漫步歷史，極大的擴展知識領域。
其次，美術可以陶冶人的情操，促進精神文明建設。美術欣賞活動的特點，首先表現在它是一種感覺和理解，感情與認識相統一的精神活動。因此，欣賞者通過對藝術作品的欣賞而提高認識、接受教育。如我國原始社會的彩陶和商周的青銅藝術，以及他們許多巧奪天工、光彩奪目的工藝品，使人深深地認識到我們祖國歷史的悠久和古老文化的輝煌，從而增強熱愛偉大祖國的思想感情。在欣賞的過程中，通過比較鑒別，也可以使我們認識到什么是真善美，什么是假惡丑，審美的批判過程，便是提高精神境界的過程。
第三，美術鑒賞是提高藝術修養和審美能力的重要途徑。馬克思說：“藝術對象創造出動的藝術和能夠欣賞藝術的大眾”。這就是說，按照美的原則創造出來的作品，反過來又會對人們起審美的教育作用，從而提高人們鑒賞藝術的能力。這種鑒賞藝術的能力的積累，就是人的藝術素養能力提高的過程。藝術作品看的愈多的人，就愈能鑒別和欣賞藝術。我國古代南北朝時期著名的文藝理論家劉勰說的“操千曲而后曉聲，觀千劍而后識器”講的就是這個道理。多欣賞一些古今中外優秀的美術作品，多對日常生活中的美術作品進行審美分析，是提高人們藝術素養和審美素養的重要途徑。
我們在欣賞這些美術作品的過程中會被其中真實而生動的形象所打動，喚起我們優美崇高的思想感情。在這種潛移默化的過程中，我們會得到心靈的凈化，情感的陶冶，在不知不覺中接受了健康向上的精神品質和道德情操，從而改善人的情感狀態，影響人行為。同時也得到視覺的愉悅和享受，擴大我們的知識領域，開闊了我們的視野。
通過對《清明上河圖》的鑒賞使我了解了中國另一方面的優秀傳統文化，了解中國傳統的優秀思想和人生價值觀，它拓寬了我的知識面，對培養我們的認識世界的能力,審美的眼睛和健康的審美情趣以及未來的人生發展,都具有十分重要的意義。
參考文獻：
1、百度百科《清明上河圖》。
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美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇十三
博大精深、源遠流長往往是形容我國古代藝術文化、悠久歷史的最佳詞匯。一個線條，一個輪廓，一抹色彩，看似簡簡單單的幾筆，畫家卻能夠用遠近呼應、以動襯靜等手法將人物、山水表現得淋漓盡致、唯妙唯俏，這就是我們中國古代繪畫的精髓所在！
從遠古的陶瓷繪畫，到魏晉的墓室彩繪磚，再到隋唐的壁畫，個人感覺，相比較于西方油畫的死板，我們中國美術講究的是形散神聚，畫家們舉手投足之間一揮筆墨，就能表達自己對人物、事物的態度與看法——不論是一種巫術，還是諷刺官僚、表現民生疾苦，抑或是細致刻畫某種動物等等。通過這幾次選修課，我覺得古代的畫家不僅僅是畫家，他們往往能夠用筆墨批判現實或者是表達某種愿望或抱負，總之，繪畫的目的已經遠遠超越了欣賞，我們能夠從眾多的繪畫之中感受到它們所帶來的內涵美、意境美，這也是值得我們去欣賞、去研究的地方！
在美術鑒賞這門課中，我印象最深的就是顧愷之大師。顧愷之，字長康，晉陵無錫（今江蘇無錫）人。顧愷之博學有才氣，工詩賦、書法，尤善繪畫。精于人像、佛像、禽獸、山水等，時人稱之為三絕：畫絕、文絕和癡絕。謝安深重之，以為蒼生以來未之有。顧愷之與曹不興、陸探微、張僧繇合稱“六朝四大家”。
顧愷之作畫，意在傳神，其“遷想妙得”“以形寫神”等論點，為中國傳統繪畫的發展奠定了基礎。老師上課細心地講述了洛神賦的故事，《洛神賦》是古代有名的詩人曹植用神話隱喻著失落了愛情的感傷的詩篇《洛神賦》，是中國古代文學中的一篇重要作品。曹植所愛的女子甄氏，在他的父親曹操的決定下，為他的哥哥曹丕奪去。甄氏在曹丕那里，沒有得到穩固的愛情死得很慘，她死后，曹丕把甄氏遺留的玉鏤金帶枕給了曹植。曹植在回歸他自己的封地的路上經過洛水，夜晚夢見了甄氏來會他，悲痛之余作了一篇《感甄賦》，塑造了洛神的動人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的兒子曹睿將它改名為《洛神賦》。
愷之知識淵博而有才氣，擅長詩賦、書法，尤其精通繪畫。工人像、佛像、禽獸、山水等。當時有“才絕、畫絕、癡絕”之稱。他的畫師法衛協而又有所變化，他的畫有敷染容貌，以濃色微加點綴，不求暈飾；筆跡周密，緊勁連綿，如春蠶吐絲，春云浮空的特點。史有以曹不興、顧愷之、陸探微、張僧繇合稱“六朝四大家”。精通畫論，其“遷想妙得”、“以形寫神”等論點，對我國傳統繪畫的發展，影響很大。
而在我國古代鼎盛的唐朝唐太宗時期，也不乏優秀的作品出現。比如在《步輦圖》中，唐太宗被一群宮女所環繞、包圍起來，并且就連座椅都是宮女們抬起來的，這些許表現了閻立本對當時唐太宗、當時整個唐朝的不滿與諷刺，但同時，從來使的衣著與恭敬地神情以及唐太宗面龐的豐潤、目光深邃、神態威儀而不失和藹也能充分展露出盛唐一代明君的風范、一種神圣不可侵犯的威嚴所在。可謂是既表現了對吐蕃的蔑視，又在表現唐太宗風貌的同時表達了自己對唐朝不敢與吐蕃對抗的看法和諷刺。古代繪畫給我留下無窮的回味，而當代大師的作品亦能展現出中華民族的靈魂所在。
“癡于繪畫，能書。偶為辭章，頗抒己懷。好讀書由，略通古今之變。”一代書畫名家范曾用這二十四個字評價自己。
范曾，字十翼，別署抱沖齋主，江蘇南通人，當代中國著名的國畫大師，開人物畫一代風氣之先。作品熔山水花鳥人物于一爐，集詩、書、畫三絕于一身，在繪畫語言上有創新，功力不凡。他的古代人物畫，識者謂其氣韻生動，神彩飛揚，精湛嫻熟，筆力遒勁，線條簡括，形象生動。
1.筆法洗練、形象生動豪放。簡單幾筆構型有狀，神采豪放，線條有樣，生動鮮活。鐘馗的坦胸開衫的簡潔筆法將健碩灑脫的形象描繪得入木三分。臥蠶雙眉，紅臉多髯，使鐘馗的戾氣漸隱，英氣伶伶俐俐的流露出一點點，不可謂不惟妙惟肖。頸肩與手部的洗練線條使人物更具質感，躍然紙上。
2.用墨有方，濃淡變化得體，則墨色活潑精神，有光彩，妙趣橫生。前人論畫謂“氣韻生動”，常以用墨佳劣為主要衡量標準不是沒有道理的。當然，一幅畫是否達到“氣韻生動”，還包括畫體的內在精神刻畫，作者情感的傳遞，以及用筆能否恰如其分地再現主客體的諧調一致。所有這些最終還是要靠墨色的變幻來體現的。
這幅《鐘馗雅趣圖》用墨也是十分精巧。墨色豐富，“墨分五色”既有變化又有統一。鐘馗的衣衫以淺淡與中度墨色為主，將白衫的褶皺與光影差別以不同于西方素描的寫意手法行云流水般的表現出來。而濃密的髯發更是展現出范老用墨的不俗功底，糾結濃密卻不凌亂，恣意張揚卻不繁雜，漸變與層次感以一種特有的手法顯露，下筆猶如閑庭信步一氣呵成。最可賞的便是范老整個人物的筆觸與構圖，人物有骨有肉，多利豐筋，形象飽滿。
3.構思精巧，構圖簡潔爽利，人物神態傳神，別有妙趣。范老多畫鐘馗，這幅卻備受矚目，這和此幅鐘馗的“與眾不同”大有干系，是范老的“鬼氣”賦予了此畫別樣的感受。范老打破傳統，一改鐘馗兇神惡煞的民間形象，以雅趣為旨，將鐘馗塑造成一位氣質介于文人與武將之間的另類，使人頓感新意。而右肩上的小鬼不再抱頭鼠竄而是站在肩頭搔弄。舊往打鬼擒妖的鬼判官鐘馗，在畫中以這些情態出現，詫異者有之，不解者有之，無奈者有之，最終卻化作一笑，獨品出另一味道。這種超脫出傳統拘泥的作品，不愧為鬼才的畫作。
其實，個人認為，我覺得中國繪畫是最能彰顯我國文化特色的歷史產物，我國擁有著五千年的深厚底蘊，這不僅僅包括歷史，更囊括著我國五千年來的文化積淀。
面對文化，我們要有一種使命感，維護我國文化積淀、傳承我國文化瑰寶；面對藝術，我們要有一個積極的心態，發現生活之美、感受來自于藝術的強大力量；面對美術，我們要有一個欣賞的思想，發現生活的不同、感受來自美術的無限魅力。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇十四
在文藝復興時期當數達·芬奇、米開朗基羅和拉斐爾的成就最高。他們的藝術成就達到了西方造型藝術繼古希臘之后的第二次高峰，僅繪畫而言，則達到了歐洲的第一次高峰。其中尤以達·芬奇最為突出，恩格斯稱他是巨人中的巨人。在藝術創作方面，達·芬奇解決了造型藝術三個領域——建筑、雕刻、繪畫中的重大課題：
1、解決了紀念性中央圓屋頂建筑物設計和理想城市的規劃問題；
2、完成了15世紀以來雕刻家深感棘手的騎馬紀念碑雕像的課題；
3、解決了當時繪畫中兩個重要領域——紀念性壁畫和祭壇畫的問題。
達·芬奇的藝術作品不僅象鏡子似的反映事物，而且還以思考指導創作，從自然界中觀察和選擇美的部分加以表現。壁畫《最后的晚餐》、祭壇畫《巖間圣母》和肖像畫《蒙娜麗莎》是他一生的三大杰作。這三幅作品是達·芬奇為世界藝術寶庫留下的珍品中的珍品，是歐洲藝術的拱頂之石。
達芬奇最為世人所熟悉的就是他絕高的繪畫藝術，其最著名的作品有：《蒙娜麗莎》《最后的晚餐等。
《蒙娜麗莎》的繪制前后歷時四年。據說模特是佛羅倫薩人，剛剛喪嬰，為解除她的痛苦并露出自然的微笑，萊奧納多便請人來為她奏樂。她的微笑是人們津津樂道的話題，有時似乎是很嚴肅有時又象很溫柔；有時略含憂傷有時又顯譏諷。蒙娜麗莎的右手更被稱為“美術史上最美的一只手”。
《最后的晚餐》繪制在格拉齊教堂圣餐廳的墻壁上。達芬奇一改前人繪制“最后晚餐”圍桌而座的布局，讓所有人物座成一排面向外，而耶穌基督座在最中間。
中國動畫史。
漫畫在中國，不足百年歷史。最早推至清朝末年，陳師曾氏在上海刊行的《太平洋報》上有即興隨意之作，小形、著墨儉省而意趣頗濃。惜其戰火頻仍，塵封煙襲，刊物散失，難窺全貌，只是魯迅、鄭振鐸氏所輯《北京箋譜》內，搜集陳氏類似漫畫之作，尚能一睹初期漫畫之余韻。到了二十年代中期，更準確地說到了1925年，豐子愷有畫刊載于《文學周報》，編者特稱之為“漫畫”，漫畫之名始見于大眾。自此及今七十年間，中國漫畫后來居上，備極絢料，如奇花異葩，畢呈瑤苑，蔚為大觀。漫畫家們以創造性的精神、豐富的生活體驗和藝術造詣，發展光大了漫畫這門繪畫藝術，尤其是漫畫更多地貼近和反映現實，使得七十年間的漫畫作品顯示出七十余年的人間相和世間相，從不同的層次和側面揭露和諷刺了舊中國的腐敗和黑暗，反映了民族爭取解放的畫卷，宣傳了民主思想和時代風貌，抒發了個性的藝術品位，這樣使得漫畫成為中國繪畫藝術中的瑰寶，在中國近現代繪畫史上占有很重要的地位。
1976-1990經歷了文革之后，動畫行業自然也受到了很大沖擊，而且上美影在1972-1976年間拍攝的17部動畫片如《小號手》《小八路》《東海小哨兵》等給后來的動畫創作理念投下了一個嚴重的陰影：寫實主義和教育目的，這使動畫片被定位為給小孩子看的充滿教育意義的課外教材，這種思想不僅延續下來而且還在大部分人心里深深的扎根，也就是這個觀念才造成了后來動畫片的尷尬地位。
1990年——2002年首先是九十年代各大動畫制作廠家開始與國際動畫業展開交流與合作數字生產手段取代了以往的手工繪制方式，大大提高了制作效率；各種體制制作單位的多元化發展，使制作數量有所增加；各種專業和多能人才進入這個行業，使制作質量比以往有較大提高；但是即使數量和質量都增加了，由于制作動畫片是給孩子看的這個理念問題，在題材內容上并沒有太大突破。
通過學習這門課，我了解了許多，但仍然許多方面不了解。但在未來閑暇時間，一定更深入了解西方藝術。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇十五
初等教育專業美術專修生將在日后的教育工作中擔負著小學美術的教學工作。小學美術教育除培養學生的動手作畫能力外，更多的將培養學生的美術興趣，建立審美意識，學會如何在生活中發現美、創造美。因此，這就要求小學美術教師不僅具有較強的繪畫實踐能力，而且更要具有很強的發現美和認識美的能力，不斷引導學生培養正確的審美認識，這一能力的獲得就必須要求美術專修生有正確的、全面的、較強的對美術作品和美術現象的鑒賞能力。
在美術教育工作中發現，很多美術專修生通過一段時間的專業技能訓練，畫面表達能力有較大提升。同時也經常反饋這樣的信息：畫的真好，某某物體畫得真像；也有學生將自己的作品給我點評，當我反問學生，你覺得自己的畫怎樣時，學生就傻了眼，除了對表面的形體、體積、空間的判斷，然后就無法深入的思考與認識，當面對梵高的《向日葵》、羅中立的《父親》等這樣的經典作品更是無法鑒賞。教師平時可能一味注重繪畫技能的訓練，忽視了學生鑒賞能力的培養，造成了“眼低手高”的局面，這樣下去學生的畫面會越來越“匠氣”，學生會嚴重缺乏正確的審美認識與藝術創新意識，也將無法適應美術教育工作。
在目前的美術教學中，美術史論的教學是相當薄弱的，無論是課程設置還是教師教學本身。往往只注重了繪畫技能的培訓，造成了普遍的“眼低手高”的僵局。
加強美術史論的學習，全面了解中外美術的起源、發展、演變、流派等，讓學生建立基本的審美意識和完整的審美體系。當然，這種理論的學習是比較枯燥的，教師應當結合當時社會環境、社會反應和社會影響來教學。例如：唐代張萱的《搗練圖》，描繪了當時貴族婦女的生活風俗；閻立本的《步輦圖》描寫了文成公主與松贊干布這一漢藏兩族通婚的史實；宋代張擇端的《清明上河圖》把汴京的繁華景象，汴河上下的各種人物、景物等社會生活風貌無不具體而生動、真實地展現給我們，在繪畫史上具有重要的價值；吳道子所畫的人物頗有特色，筆不周而意足，貌有缺而神全；他還善于輕重頓拙似有節奏的“蘭葉描”，筆勢圓轉，衣帶飄舉，盈盈若舞，形成“吳帶當風”的獨特風格，風行一時……徐悲鴻畫的馬、鄭板橋畫的竹、李可染畫的山等等，除了給我們以美的享受，還讓我們了解歷史，認識社會，向我們傳達了一種精神。通過教師將作品、人物、社會背景進行有機結合，將在很大程度上激發起學生學習美術史論的興趣，幫助學生逐步建立審美體系。
教育學家第斯多惠在教師規則中講過：“我以為教學的藝術，不在于傳授的本領，而在于激勵、喚醒。沒有興奮的情緒怎么激勵人？怎么喚醒沉睡的人？”學生閱歷、知識、經驗的不足，很難對美術作品積極主動地欣賞。這就要求教師在美術鑒賞教學中對學生作適當的引導和激發。
于此，教師應經常性賞析一些不同類型的經典作品讓學生感受、體驗、分析、判斷，而獲得審美享受和美術知識，強化審美意識。教師可幫助學生分析美術作品的形象、情節，特別是一些引人入勝的細節，如父親耳朵上的筆、蒙娜麗莎的神秘的微笑等等，再通過生動恰當的語言描述，以此為突破口引發學生的注意力和興趣。
美術作品一般都不是孤立存在的，都是在一定的文化情境中創造出來的。文化情境是指一件美術作品被創作出來的時候所依托的文化環境、條件及其特征。因此，在美術鑒賞教學時，不僅講技法，更要把作者、美術作品所處的時代背景交代清楚。例如凡高的《星空》就有必要介紹有關凡高生平的一些故事，欣賞畢加索的《格爾尼卡》時，學生就應該了解歷史背景。只有這樣，才能讓學生對畫內畫外進行自主思考。
另外，學生受文化修養、社會背景的差異影響，審美需求和角度也不一樣。教師要能容忍和接受學生的各種見解和感想，對學生的審美傾向和差異持有正確的態度。
在日常的繪畫中，不僅是提高繪畫表現技法的學習，更是進行審美滲透的好時機。那怕是一個簡單的陶罐，一幅普通的風景，也要求學生對客觀物象進行概括、提煉，滲透進自己對物象的審美情感，甚至可以通過物象表達對社會狀態及人物情緒的表現。通過這種長期的思考與練習，讓學生不由自主地將繪畫練習與審美情感相融合，以此來建立良好的審美認識。
我想，通過以上方法的教學與實踐，定會讓初等教育美術專修生的美術鑒賞能力得到較大提高，當學生建立了完備的審美體系和較強的審美能力后，對畫面本身也有大幅的提升。
總之，美術不僅屬藝術范疇，它是學術，是社會科學，以學術啟發技術，點石成金，技進乎道，庶幾不惑，則更易于成為藝術。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇十六
大學生學習美術鑒賞的意義就是要以美引善，提高學生的思想品德；以美啟真，增強學生的智力；以美怡情，增進學生的身心健康。從而，促進大學生全面和諧的發展。
有生即有情，有情即有藝術。故藝術非專科，乃人所本能；藝術無專家，人人皆生知也。晚近世變多端，人事繁瑣，逐末者忘本，循流者忘源，人各竭其力于生活之一隅，而喪生其人生之常情。于是世間創立“藝術”為專科，而稱專長此道者為“藝術家”。蓋“藝術”與“藝術家”興而藝術始衰矣！出“藝術”之深宮，辭“藝術家”之尊位，對稚子而教之習藝，執途人而與之論美，談言微中，亦足以啟發其生知之本能，而歸復其人生之常情。是則事事皆可成藝術，而人人也皆得為藝術家。著名藝術家豐子愷先生的這段話講的非常深刻，藝術應該是屬于全民的。而現今藝術的創造卻被集中在藝術家身上，這并不利于大學生們藝術素質和審美觀的提高。普通高校加強美育，主旨是在“育人”，是要教育學生逐步樹立馬克思主義的審美觀。審美觀是關于美、審美、美的創造等問題的基本觀點，是世界觀和人生觀的重要組成部分。而大學生學習美術鑒賞的意義就是要以美引善，提高學生的思想品德；以美啟真，增強學生的智力；以美怡情，增進學生的身心健康。從而，促進大學生全面和諧的發展。由此可知大學生學習美術鑒賞課程對于大學生素質的培養有著非常重要的作用，所以就更應該實現美術鑒賞課程在大學里的普及。這里的普及不能單單只是書本、字面上的普及，而是真正讓大學生實現在精神上的普及，真正的了解學習美術鑒賞課程的意義，這就需要我們大學生能真正的看透一些問題。那么以下這些問題能夠幫助我們更好的認識到學習美術鑒賞這門課程的必要性。
標志。它繼承和發展著人類的文明成果，傳播、保存、融合、發展著民族的文化，是民族形成、生存及發展的生命機制。美術教育作為一種精神生產，對人們的社會心理、風俗習慣、道德規范、文化傳統有至關重要的影響，成為整個文化建設的基礎。
二、美術鑒賞課對大學生的全面而深刻的影響體現在哪些方面呢？首先它表現在以美引善蔡元培先生大力提倡“以美育代宗教”，就是因為作為“美育”的重要載體之一的美術有輔助道德進步的教育功能。大學生的思想品德不是先天具有的，也不是后天自發形成的，而是在社會、家庭，特別是在學校教育中形成和發展起來的。美術鑒賞課就是學校的教育課程之一。人的道德理想、道德認識、道德情感、道德行為建立在審美的基礎之上，并以美作為追求的價值取向。在思想道德素質養成過程中，美術鑒賞課把中外美術精品直接呈現給廣大學生，使他們產生“直觀”的美感。“審美帶有令人解放的性質”，能使人的主體性得到美的提升，前蘇聯教育家霍姆林斯基說過：“美是人的道德財富的源泉。”高校的美術鑒賞課是普通美術教育工作在高校的一種延續，是一種富有強烈藝術感染力的審美教育。這種審美教育是通過鑒賞美術作品的意境、線條、色彩、構圖、肌理、空間及作者創作背景等完成的，它可以把高度發展的社會理性轉化為直觀的、生動的感性形式，其中蘊含的政治思想內容、倫理道德內涵，均使受教育者在提高審美感受、表現能力的同時，心靈得到凈化，道德情操得到升華，從而達到崇高的精神境界。生動的藝術形象和直觀的構思，給青年學生以啟迪、以感動，從美術作品中感受到美，精神上獲得愉悅和滿足，同時也在潛移默化中獲取了很多人文知識，接受了思想道德教育，人的身心得以全面和諧的發展。其次就是就是表現在以美啟真素質教育應以培養學生的創新精神為重點。
好的美術作品，可以充分發揮學生豐富的想象力。愛因斯坦曾說過，想象力比知識更重要，因為知識是有限的，而想象力概括著世界上的一切，推動著進步，并且是知識進化的源泉。美術鑒賞可以使學生感知、注意、記憶聯想、幻想、創造等思維能力得到發展。通過作品的鑒賞，可以提高學生的視覺感知能力，對各種色彩的象征義和引申義的理解會更加敏銳、協調，可以這樣認為，美術鑒賞具有啟迪智慧的作用。美術鑒賞的過程是一種視覺思維的過程，也是鑒賞者審美創造的過程。它是鑒賞者通過對藝術家創造的藝術品的感受、想象、體驗、理解和鑒別等一系列視覺思維活動，通過對藝術作品的欣賞，從而達到開闊視野、擴大認知領域，提高藝術素養和審美能力的目的。
在美術鑒賞過程中，由于鑒賞者面對的是富于啟發性的典型視覺形象，所以會自然地喚起種種有關的聯想和想象。在聯想和想象的作用下，通過特定藝術形象可以感知和認識更為豐富的內容。中國古代詩論中就有“象外之象，景外之景”之說，宋代詩人梅堯臣要求“作者得于心，覽者會以意”。中國畫的留白處理，正是留給鑒賞者想象的空間，這是鑒賞者對藝術作品再創造的過程。藝術作品不管表現得多么完整、具體，都留有廣大的想象空間，這些空間需要鑒賞者通過聯想和想象去豐富和發展，使鑒賞者形象思維能力得到進一步的培養與提高。
創造力的培養是素質教育的核心，美術鑒賞正適合這種創造心理的培養，尤其在美術鑒賞過程中對作品的色彩、比例、空間、節奏等視覺思維的訓練，能在潛移默化中幫助學生開拓視野，培養學生具有豐富的空間想象力，開啟思維的深度和廣度。再次表現為以美怡情美術鑒賞對學生身體素質的提高大有裨益。如鑒賞古希臘雕塑《米洛斯的維納斯》時，引導學生圍繞人體美的標準進行討論，通過美術鑒賞課幫助學生認識美的時代性、階級性和多層次性，并轉而欣賞“維納斯”的古典、和諧、健康、自然之美。
美術鑒賞對學生健全心理素質也是至關重要的。美術鑒賞課對學生進行心理素質教育的進程中，首先要培養學生的愛美心理，使他們對美有一個正確的認識和概念，學會欣賞美、鑒賞美、表現美。優秀的美術作品都是作者對自然、人生和社會的理解，是創作者心靈的表露，所以在美術鑒賞中，廣大學生可以通過藝術作品這一媒介與作者進行心靈對話，使自己的心靈得到熏陶、感染、凈化與提升，從而使學生的認知心理、情性心理、社會心理得到和諧發展。
總之，美術鑒賞中的各個方面、各個環節無一不關聯著素質教育，關聯著大學生自由和諧的發展。所以我們就要更加強調大學生學習美術鑒賞課程的必要性。主要是逐步樹立馬克思主義的審美觀。審美觀是關于美、審美、美的創造等問題的基本觀點，是世界觀和人生觀的重要組成部分。而大學生學習美術鑒賞的意義就是要以美引善，提高學生的思想品德；以美啟真，增強學生的智力；以美怡情，增進學生的身心健康。從而，促進大學生全面和諧的發展。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇十七
美術鑒賞是提高學生美術水平的有效途徑，在美術鑒賞的過程中如何培養學生的審美創新能力成為教育工作的重點。更多美術論文相關范文盡在top期刊論文網。
美術。
《清明上河圖》寬24.8厘米，長528.7厘米，絹本設色，是北宋畫家張擇端存世的僅見的一幅精品。《清明上河圖》生動翔實地記錄了中國十二世紀城市生活的面貌，這在中國甚至世界繪畫史上都是絕無僅有的。作品以長卷的形式，采用散點透視的構圖方法，將繁雜的景物納入統一而富于變化的畫卷中，畫中主要分為兩部分，一部分是農村，另一部分是市集。此畫分三個部分：
一是汴京郊野的春光，環境和人物的描寫，點出了清明時節的特定時間和風俗，為全畫拉開了序幕。
二是繁忙的汴河碼頭，這里是名聞遐邇的虹橋碼頭區，熙熙攘攘，名副其實地是一個水陸交通的會合點。
三是熱鬧的市區街道，男女老幼，士農工商，三教九流，無所不備。這里交通運載工具樣樣俱全，繪色繪形地展現在人們的面前。張擇端在作這幅畫時非常注意細節，人物的表情栩栩如生，動作定格生動，使人如身臨其境。畫家在注重實際事物刻畫的同時，又注重繪畫本身的筆墨意趣。在畫家看來，繪畫之美并不僅僅在描繪自然景色，更重要的是筆墨本身所體現的美，所傳達出的畫家的主官感受、氣勢和意趣。
通過對這幅《清明上河圖》的鑒賞以及推及到其它的作品可以看出，通過對美術作品的鑒賞不僅可以學到美育知識，更可以培養創造美的能力。對我們的性格，感情，認識，人生觀，思想觀等諸多方面都有非常重要的意義，它可以培養我們的積極性、主動性，使藝術素養、人文修養得到提高。更具一般的說，美術鑒賞的意義在于使作品完成它的創作使命。沒有欣賞或鑒賞的作品，即不與觀眾見面的作品是不會產生任何社會作用的，美術作品只有通過鑒賞才能產生作用。美術鑒賞的過程是觀者積極思考，根據自己的生活經驗及掌握的知識，對作品加以理解而使作品達到完善的過程。具體作品面對不同的觀者將產生不同的效應，但美術作品存在的共同效應是主要的。美術欣賞是為提高人們的文化素養與審美素質，以促進社會發展為目的。具體說它的意義體現在：
人類生活的世界是極其廣闊的，生活內容無比豐富，但對我們每個人來看，不管他如何見多識廣，也不可能體驗到社會生活的一切方面。然而，借助于古今中外許多優秀的美術作品，卻可以使我們形象地接觸到許多人生與經歷遠遠不能涉及的廣闊無限的領域。以中國的美術作品為例，上下五千年，許多繪畫，雕塑，工藝和各種建筑藝術，都可以幫助我們開闊眼界，使我們從中了解到許許多多從書本上和個人經歷所無法得到的生動而豐富的知識。外國美術作品，更向我們展示了一個廣闊的世界。所以通過對古今中外美術作品的欣賞，可以幫助人們周游世界，漫步歷史，極大的擴展知識領域。
美術欣賞活動的特點，首先表現在它是一種感覺和理解，感情與認識相統一的精神活動。所以，欣賞者通過對藝術作品的欣賞而提高認識、接受教育。如我國原始社會的彩陶和商周的青銅藝術，以及他們許多巧奪天工、光彩奪目的工藝品，使人深深地認識到我們祖國歷史的悠久和古老文化的璀璨，從而更增強熱愛偉大祖國的思想感情。在欣賞的過程中，通過比較鑒別，也可以使我們認識到什么是真善美，什么是假惡丑，審美的批判過程，便是提高精神境界的過程。
這種鑒賞藝術的能力的積累，就是人的藝術素養能力提高的過程。藝術作品看的愈多的人，就愈能鑒別和欣賞藝術。
所以，多欣賞一些古今中外優秀的美術作品，多對日常生活中的美術作品進行審美分析，是提高人們藝術素養和審美素養的重要途徑。我們在欣賞這些美術作品的過程中會被其中真實而生動的形象所打動，從而喚起我們優美崇高的思想感情。在這種熏陶漸染的過程中，我們會得到心靈的凈化，情感的陶冶，在不知不覺中接受健康向上的精神品質和道德情操，進而改善人的情感狀態，影響人的行為。同時也得到視覺的愉悅和享受，擴大我們的知識領域，開闊了我們的視野，由此可見，美術鑒賞意義非同一般。
美術鑒賞論文梵高（匯總18篇）篇十八
美術作品是凝結在畫作上的畫家對于生活的感悟和理解，因此在欣賞美術作品時，不僅要能夠理解畫家高超的畫技，同時也還要能夠欣賞作品的美，理解作品想要表達的內涵。這在具體美術作品中能夠較容易地實現，而在抽象美術作品中，由于其抽象性等特征，欣賞者較難理解其內涵。基于此，我們試圖運用社會學視角對抽象美術作品的作者生平、生活環境以及政治背景等進行分析，使欣賞者能夠更加深刻地理解抽象美術作品。
欣賞者在欣賞抽象美術作品的過程中，了解創作者的生平有助于把握作品中創作者留下的各種痕跡，從而更加理性地認識作品。例如，通過對創作者專業教育經歷的了解，欣賞者能夠理解作者不同時期作品的特點，以及創作者成熟時期作品中所包含的其他派系的痕跡，對于欣賞和理解抽象美術作品有很大的幫助。又如，通過了解創作者的情感經歷，能夠使欣賞者了解創作者在創作美術作品時經歷的情感，從而能夠將對畫作的理性理解轉移到對畫作所表達的情感的感受上來，使欣賞者對抽象美術作品的欣賞能力得到提升。在對荷蘭印象派代表人物彼埃蒙德里安的作品《灰色的樹》的欣賞過程中，我們就可以采用了解作者生平的方法，這樣就能夠更加準確地認識和理解這幅畫作，同時對這幅畫作的美的印象更加深刻。彼埃蒙德里安曾在早年師從其叔叔——海牙派畫家富爾茲蒙德里安，得到了寫實浪漫主義的真傳，這一經歷對其后來的創作影響巨大。在《灰色的樹》中，還能夠看到寫實浪漫主義的特征——將內心深處的浪漫情感通過寫實主義傾瀉而出。在青年時期，蒙德里安就讀于國立藝術學院，受到了象征主義、印象主義和表現主義的影響，開始形成了自己的風格。在1911—1914年間，蒙德里安受到了畢加索等立體主義的影響，因而形成了立體主義的風格，在《灰色的樹》中，還能夠看出采用了透視和立體三維畫法的痕跡。在一戰期間，蒙德里安致力于用畫作表現和平和發展的理念，因而開始使用中性的色彩，這也是《灰色的樹》中選擇灰色作為主色點的重要原因。這樣，通過對蒙德里安生平進行分析，欣賞者就能夠對《灰色的樹》有更加準確的理解，能夠看出在畫作中創作者采用的方法和其創作時的情感等，更能夠欣賞到作品的美以及作者人格的偉大。
對創作者的生活環境的了解，能夠從源頭上幫助欣賞者認識到作者對于現實事物的認識能力。這樣，當作者把現實事物抽象地表現為畫作時，欣賞者就能夠理解作者為什么選擇這種方式來表達這樣的主題和這樣的情感。因為作者的生活環境不僅決定了創作者的受教育程度，同時還影響著作者對于事物的認知和對于情感的體驗和表現程度。只有了解到這點，才能夠更好地欣賞抽象畫作。在對畢加索名畫《哭泣的女人》進行欣賞的過程中，就需要充分地了解畢加索的生活環境，才能夠深刻理解為什么“女人”哭泣時面部扭曲、眼睫毛的移位到如此地步。《哭泣的女人》是以畢加索的情人多拉馬爾為原型創作的。多拉馬爾與畢加索維持了長達九年的情人關系，在兩人關系剛開始的期間，多拉馬爾與畢加索情感很好，兩人出雙入對。但是，兩個人性格都很強硬，在很多問題上意見相左，誰也不愿意妥協，因而經常硬碰硬。在這樣的相處模式之下，畢加索開始動手毆打多拉馬爾，并且多次將多拉馬爾打暈。多拉馬爾也因此多次哭泣。畢加索不僅經常打多拉馬爾，還經常出言刺激她，使她傷心落淚。在這種背景下，畢加索以多拉馬爾為原型創造出《哭泣的女人》。當欣賞者了解了畢加索的創作過程之后，就能夠更加深刻地理解《哭泣的女人》中主人公面部的扭曲，也能夠理解畢加索刻意對其的丑化，能夠進一步地體會畢加索在創作時候的感情。
雖然抽象藝術不直接表達現實社會，不直接表現政治問題，但是創作者所處的政治環境對其創作主題和創作思路也會產生巨大的影響。通過對其進行研究，能夠更加深刻地掌握抽象美術作品的內涵。在里希特的畫作《派對》中，創作者就通過畫作來對明星托里亞尼的中產階級生活方式進行了批判。這種批判并不是來源于里希特的一時興起，而是在里希特早年的生活方式以及當時的政治環境影響下產生的，因而有著明顯的政治意味。里希特在兩德分裂之后，在民主德國生活，后來沖破阻礙到了西德。在與民主德國有著完全不同政治氣氛與創作氛圍的西德中，里希特的思想產生了極大的震撼，并且努力適應。美國當時在德國的文化藝術政策和政治政策深刻地影響西德的藝術發展，里希特也受到了深刻的影響，進而發展了其政治波普風格，這在《派對》里得到了淋漓盡致的體現。
綜上所述，運用社會學視角對抽象美術作品進行鑒賞能夠使欣賞者更加準確地理解作品所表達的內容，把握作品所表達的主題，掌握作品所傳遞的情感，這對于欣賞者鑒賞抽象美術作品有著非常重要的作用。因此，我們在對抽象美術作品鑒賞的過程中，需要靈活運用社會學的視角，通過了解創作者的生平及其所處的生活環境、政治環境等對作品進行全面、深刻和立體的了解，不斷提升對抽象美術作品欣賞能力。